Ultimas Novedades

Las 100 Mejores Películas De Terror De Todos Los Tiempos

Las 100 Mejores Películas De Terror De Todos Los Tiempos, empezando desde la numero 100……

100. “Pueblo de los Malditos” (Wolf Rilla, 1960)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de MGM / Kobal / REX / Shutterstock (5880815a) June Cowell, Martin Stephens Village of the Damned - 1960 Director: Wolf Rilla MGM BRITAIN Scene Still Le Village des damnés

“Pueblo de los condenados”

MGM / Kobal / REX / Shutterstock

¿Qué pasa si los niños no son nuestro futuro? Esa es la pregunta horrible que enfrenta George Sanders como profesor en el pequeño pueblo inglés de Midwich, cuya esposa fue impregnada por una fuerza extraterrestre junto con todas las otras mujeres cercanas en edad de procrear.El personaje de Sanders es erudito, sofisticado y tolerante, y cree que los niños extraterrestres que nacen, todos con cabello rubio platino y ojos brillantes, merecen el beneficio de la duda.Rápidamente se da cuenta de que está equivocado, incluso de su propio “hijo”, llegando finalmente a una solución estalinista.Goteando de miedo, “Village of the Damned” sugiere que la paranoia que descartamos no siempre es infundada.En lugar de la inclinación de la historia hacia el progreso y la justicia, el futuro puede contener solo entropía y declive.-CB

99. “El anillo” (Gore Verbinski, 2002)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Dreamworks Llc / Macdonald / Parkes Prods./Kobal/REX/Shutterstock (5882479a) The Ring (2002) The Ring - 2002 Director: Gore Verbinski Dreamworks Llc / Macdonald / Parkes Productions USA Scene Still Comedia

“El anillo”

Dreamworks Llc / Macdonald / Parkes Prods./Kobal/REX/Shutterstock

La historia sobrenatural de Gore Verbinski es una nueva versión de la película de terror japonesa de 1998 “Ringu”, basada en la novela del mismo nombre de Koji Suzuki.Un periodista investiga la leyenda de una cinta de video compuesta de imágenes inquietantes y desconcertantes que, cuando se observa, lleva a una llamada telefónica que predice la muerte del espectador en siete días.Dirigida por una actuación apasionada de Naomi Watts, esta enigmática historia de fantasmas tiene mucha atmósfera, gracias en parte a su sombrío y aislado entorno de Seattle, y ofrece algunos sustos genuinos.Oscuro, inquietante y de ritmo deliberado, varios giros emocionantes que revelan gradualmente la trama desconcertante de la película atraerán la atención del público.El primer remake estadounidense de “J-Horror”, los fanáticos del original deberían encontrar este remake casi tan convincente.Engendró 3 secuelas y allanó el camino para más remakes estadounidenses de películas de terror japonesas, incluyendo “The Grudge”.-A

98. “The Changeling” (Peter Medak, 1980)

blank

George C. Scott y Trish Van Devere en “The Changeling”

Cortesía de Severin Films.

Desde “The Uninvited” hasta “The Innocents”, el horror ama una buena historia de fantasmas, y “The Changeling” de 1980 sigue siendo uno de los mejores del género.Después de la trágica muerte de su familia, un compositor se muda a una mansión histórica en Seattle, pero el idílico hogar también alberga el espíritu de un niño angustiado, uno que estaba escondido en el hogar antes de ser asesinado, y que está listo para buscar venganza. sobre la familia que lo borró de su pasado.“The Changeling” también incluye muchos sustos, especialmente la inquietante escena de la sesión de espiritismo, que indudablemente inspiró a “The Others” de 2001.Aunque “The Changeling” no es tan conocido como algunas de las otras historias de fantasmas de horror, es uno de los favoritos de Martin Scorsese y Steven Spielberg, de quien se rumorea que lo proyectó durante la producción de “Poltergeist”.Con una actuación poderosa de George C. Scott y un misterio convincente en su núcleo, “The Changeling” es una joya de terror discreta que vale la pena descubrir.-JR

97. “Alucarda” (Juan López Moctezuma, 1977)

blank

“Alucarda”

tapa de la pantalla

Alucarda ha vivido en un convento toda su vida, pero su mundo cambia con la llegada de Justine, otra joven huérfana.Las dos chicas se vuelven inseparables, y su amistad a menudo raya en una relación sexual.Mientras están en el bosque, se encuentran con un extraño cementerio y desatan accidentalmente una fuerza demoníaca, que pronto los posee y amenaza con destrozar todo el convento y a todos los que están en él.Al igual que “Los demonios” de Ken Russell, “Alucarda” está plagada de éxtasis sexual en un entorno religioso, donde la iconografía se vuelve sacrílega.Las jóvenes se comprometen entre sí y al diablo, que se muestra en su forma más bestial, con pezuñas hendidas y cuernos rizados, una pesadilla peluda que, sin duda, sirvió de inspiración para algunos de los monstruos más fantásticos de Guillermo del Toro.A medida que el aquelarre se reúne para rezar, las chicas, ahora completamente poseídas, no pueden soportar nada sagrado, y toda la capilla desciende al caos, creando un final inolvidable.“Alucarda” podría no ser tan conocida como “El exorcista”, pero es una película de posesión como ninguna otra, una que no recurra a los tropos cansados ​​del género, lo que le permite realmente conmocionar.-JR

96. “Cuentos de la campana” (Rusty Cundieff, 1995)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Toni Scott / Kobal / REX / Shutterstock (5863958b) Tales From The Hood (1995) Tales From The Hood - 1995 Director: Rusty Cundieff 40 Acres & A Mule USA Scene Still Horror

“Cuentos de la campana”

Toni Scott / Kobal / REX / Shutterstock

Un giro actualizado en las películas de terror de la antología británica Amicus Production, popular durante los años 60 y 70, el clásico de culto de Cundieff usa la sátira para abordar la raza y el racismo (entre otros temas), al tiempo que se mantiene fiel a las convenciones del género de terror.Se desarrolla en el mismo estilo que las películas de Amicus, que generalmente siguen a un grupo de extraños que se unen para enfrentarse a un malvado adivino, y en una serie de secuencias flash-forward o flashback, aprenden cómo morirán o cómo murieron. .En “Hood”, tres aspirantes a matones visitan una funeraria dirigida por un funesto y espeluznante funerario (interpretado con entusiasmo por Clarence Williams III), con la intención de comprarle drogas “encontradas” para luego venderlas en la calle.Por supuesto, cada uno obtiene más de lo que esperaban cuando Williams recita cuatro historias de terror sombrías que los asustaron, después de lo cual el funerario revela su verdadero yo, y el trío delincuente llega a conocer su destino final.“Hood” no solo hace una burla efectiva de la premisa de la antología de Amicus, sino que también hace comentarios potentes (a veces con humor mordaz) sobre una variedad de temas específicos de la experiencia negra, como la brutalidad policial, el racismo institucional y la violencia de pandillas.Ciertos aspectos pueden parecer anticuados 23 años después, pero “Hood” todavía tiene mucho éxito.Cundieff produjo una secuela menor en 2018. -TO

95. “Mesías del mal” (Willard Huyck y Gloria Katz, 1973)

blank

“Mesías del mal”

tapa de la pantalla

“Messiah of Evil” es una gema invisible que logra arrastrarse bajo la piel a pesar de su bajo presupuesto.Cuando una mujer se dirige a una ciudad costera para buscar a su padre desaparecido, descubre que la espeluznante aldea ha sido infiltrada por un culto de muertos vivientes.Nunca está del todo claro si los muertos vivientes son zombis o vampiros, pero su presencia es inquebrantable.Si bien “Messiah of Evil” es menos conocido, está lleno de escenas icónicas y memorables (una víctima devorada en un supermercado, otra rodeada de muertos vivientes en el cine) que recuerdan algunos de los mejores trabajos de George A. Romero.Escrito y codirigido por el equipo de marido y mujer Willard Huyck y Gloria Katz, que luego coescribirán “American Graffiti” e “Indiana Jones and the Temple of Doom”, vale la pena buscar “Mesías del Mal” .-JR

94. “Una bahía de sangre” (Mario Bava, 1971)

blank

“Una bahía de sangre”

tapa de la pantalla

En 1963, Mario Bava lanzó “The Girl Who Knew Too Much”, iniciando el subgénero giallo que dominaría el horror italiano en los años venideros.En 1971, Bava reinventó el género una vez más con su primer éxito “A Bay of Blood”, donde el asesinato de una heredera adinerada inicia una ola de asesinatos alimentados por la avaricia, que también apunta a un grupo de adolescentes inocentes que acampan cerca.“A Bay of Blood” serviría como inspiración clave para “Friday the 13th” y su subsiguiente secuela, con la franquicia copiando dos asesinatos de la película de Bava casi filmada.Sigue siendo un reloj vital para los fanáticos del terror, y un recordatorio de cómo Bava continuó empujando el horror a reinos nuevos e interesantes, cuyas reverberaciones todavía se sienten hoy en día.-JR

93. “Problemas todos los días” (Claire Denis, 2001)

Vincent Gallo en "Problemas todos los días"

Vincent Gallo en “Problemas todos los días”

Clt-Ufa / Rezo / Kobal / REX / Shutterstock

Conectar sexo y violencia en una película de vampiros no es un terreno nuevo, pero a través de la lente de la directora Claire Denis, y la forma en que su cámara estudia los cuerpos en movimiento, se convierte en una extensión natural de sus dramas más tranquilos y una mirada sombría a la naturaleza del hombre.Normalmente, París es la ciudad romántica perfecta para una luna de miel, pero nuestro novio, un científico estadounidense (Vincent Gallo), está allí para buscar a su ex amante Coré (Béatrice Dalle), con quien comparte un deseo de sangre cuando se excita.Coré se ha convertido en una seductora como “Under the Skin”, que atrae a los hombres a lugares ocultos con la promesa de sexo, antes de hacerlos pedazos.Finalmente, el guardián de Coré, Léo (Alex Descas), otro tipo de científico, la rastrea, entierra los cuerpos y la encierra en su laboratorio del sótano.Es un patrón que define su relación. “Trouble Every Day” fue algo criticado después de su estreno en Cannes, pero se ha reexaminado bastante a lo largo de los años, ya que el trabajo de Denis se ve más intencional y en capas con cada año que pasa.-CO

92. “El inquilino” (Roman Polanski, 1976)

Roman Polanski y Shelly Winters en "El inquilino"

Roman Polanski y Shelly Winters en “El inquilino”

Moviestore / REX / Shutterstock

La tercera película de “Apartment Trilogy” de Polanski es menos conocida que las dos anteriores (“Repulsión” y “Bebé de Rosemary”), pero utiliza las mismas sutiles rupturas con la realidad para capturar la marca única de horror psicológico del director, que nunca lo hace. claro si lo que estamos viendo es imaginado o realmente está sucediendo.El propio Polanski interpreta al nuevo inquilino sin pretensiones a quien sus nuevos vecinos parisinos hacen que no se sienta bienvenido como el recuerdo del inquilino anterior, que intentó suicidarse arrojándose por la ventana, se cierne sobre la película.En “El inquilino”, Polanski, quien pasó la mayor parte de su vida como inmigrante, captura la sensación de lo que se siente al nunca encajar y experimentar la realidad de una manera diferente a los demás.-CO

91. “Buenas noches mamá” (Veronika Franz y Severin Fiala, 2014)

blank

“Buenas noches mama”

RADIUS-TWC

Hay horror que ves y horror que puedes sentir. Una construcción psicológica lenta desde un comienzo sin pretensiones hasta un final ardiente, esto es una película desconcertante, y no solo por el daño corporal feroz en exhibición.Está empapado en la sensación insidiosa e inquietante enterrada en el interior: la idea de que la incapacidad de su propia familia para reconocerlo puede hacer metástasis en algo tan brutal.Con el giro raro que ha mejorado con una revelación directa y práctica, “Goodnight Mommy” es un giro duro sobre el miedo a lo desconocido que impregna muchas de las historias en esta lista.Sí, puede parecer una prueba de resistencia. Pero hay un elemento extraordinario de control aquí, en el que cada afrenta fresca se reparte cuidadosamente con precisión magistral.-SG

90. “El hombre leopardo” (Jacques Tourneur, 1943)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de RKO / Kobal / REX / Shutterstock (5867591c) Margo The Leopard Man - 1943 Director: Jacques Tourneur RKO USA Scene Still L'Homme léopard

“El hombre leopardo”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

No se puede afirmar lo influyente que son las películas del productor Val Lewton, el verdadero autor detrás de una extraordinaria serie de películas de terror para RKO en la década de 1940.En su ingenio de baja fidelidad, sugirieron que se podrían brindar más visiones personales a los cineastas independientes: cuanto menor sea el presupuesto, menos escrutinio por parte de los financieros.Pero su dependencia de la sugerencia sobre el shock demostraría una influencia importante en la producción cinematográfica incluso de gran éxito: Spielberg tomó muy en serio la lección de Lewton con “Jaws” de que lo que no ves puede ser más aterrador que lo que haces.“El hombre leopardo” puede estar en el extremo inferior del canon de Lewton, pero en manos de uno de sus directores, Jacques Tourneur, esta novedad sobre una serie de asesinatos está goteando con ricos detalles en su entorno único de Nuevo México .Oh, también tiene una escena de asesinato tan escalofriante como nunca verás. -CB

89. “Viy” (Konstantin Yershov y Georgi Kropachyov, 1967)

blank

“Viy”

Basado en una historia de Nikolai Gogol, “Viy” es una de las raras películas de terror realizadas en Rusia durante la era soviética.Un grupo de estudiantes de seminario que deambulan por el campo pasan una noche en compañía de una bruja, quien es asesinada por uno de los estudiantes.Por la mañana, descubren que la bruja era en realidad la hija de un rico terrateniente, y ahora los hombres deben pasar tres noches encerrados en la iglesia local, protegiendo su cuerpo de los espíritus malignos.Los horrores que enfrentan los hombres durante las tres noches podrían rivalizar con algunos de los mejores monstruos de Guillermo del Toro: duendes con carne derretida, demonios puntiagudos y esqueletos irregulares, manos desarticuladas que rompen las paredes de la iglesia y el espíritu de la joven bruja, vestida con un vestido blanco etéreo y una corona de flores en cadena de margaritas, lágrimas sangrientas en sus ojos, alternativamente hermosas y aterradoras.Algunos de los sustos en “Viy” están desactualizados, pero sigue siendo una visión fascinante del tipo de filmación que una vez estuvo oculta detrás de la Cortina de Hierro.-JR

88. “El hambre” (Tony Scott, 1983)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de MGM / UA / Kobal / REX / Shutterstock (5884918e) Ann Magnuson, David Bowie The Hunger - 1983 Director: Tony Scott MGM / UA Scene Still Horror Les Prédateurs

“El hambre”

MGM / UA / Kobal / REX / Shutterstock

Es difícil imaginar que alguien quiera dejar a David Bowie atrás, pero eso es exactamente lo que Catherine Deneuve hace como la etérea vampiro Miriam en “The Hunger”.Aunque fue entregado 200 años antes y prometió vida eterna, Bowie’s John comienza a envejecer rápidamente, lo que le hace darse cuenta de que la vida eterna no significa juventud eterna.Repugnada por su apariencia, Miriam lo rechaza y comienza a buscar una nueva conquista, que pronto encuentra en Sarah (Susan Sarandon), una doctora especializada en envejecimiento que buscaba ayudar a John.Pero Sarah no es tan complaciente como los antiguos amantes de Miriam, y mientras Sarah lucha por adaptarse a su nueva forma de vida, la pone en conflicto directo con Miriam, amenazando con exponer su secreto centenario.“The Hunger” es una película de vampiros atmosférica como ninguna otra. Si bien se ha hecho mucho sobre el sexo lésbico de Sarandon y Deneuve, la película también es conocida por su secuencia de apertura, donde John y Miriam están al acecho de amantes que pueden convertir en una comida.La secuencia icónica más tarde sirvió de inspiración para la introducción de Lady Gaga en “American Horror Story: Hotel”.-JR

87. “Masque of the Red Death” (Roger Corman, 1964)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de AIP / Kobal / REX / Shutterstock (5879804h) Masque Of The Red Death (1964) Masque Of The Red Death - 1964 Director: Roger Corman AIP USA / UK Scene Still Edgar Allan Poe Máscara de La muerte roja Le Masque de la mort rouge (1964)

“Máscara de la muerte roja”

AIP / Kobal / REX / Shutterstock

Es increíble cuánto Roger Corman podría sacar de tan poco. Esta adaptación de Edgar Allan Poe protagonizada por Vincent Price como el noble y malvado decadente Príncipe Próspero, cuyos muchos pecados vuelven a plagarlo (literalmente) es una obra maestra del diseño de producción.Una secuencia sigue a alguien caminando a través de una cadena de habitaciones conectadas en el castillo de Price y el mobiliario y el papel tapiz de cada habitación son completamente de un color llamativo.Esto es tanto una película para los ojos como “Suspiria” e “Inferno” de Argento, pero si los tonos audaces en esos gorefests parecen a menudo desmotivados por la historia, las atrevidas elecciones estilísticas de Corman sirven un mensaje político: que el indiferente uno por ciento pone tan mucho tiempo en un diseño para vivir que han olvidado todo propósito para vivir.-CB

86. “Una pesadilla en la calle Elm” (Wes Craven, 1984)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de New Line / The Elm Street Venture / Kobal / REX / Shutterstock (5882371h) Heather Langenkamp A Nightmare On Elm Street - 1984 Director: Wes Craven New Line / The Elm Street Venture USA Scene Still Horror Les Griffes de la nuit

“Una pesadilla en la calle Elm”

Nueva línea / The Elm Street Venture / Kobal / REX / Shutterstock

Cualesquiera que sean las madrigueras del meta conejo en las posteriores entregas de “Elm Street”, la historia original de Freddy Krueger es decididamente anticuada.Simplemente, se trata de cómo los jóvenes siempre tienen que pagar por los errores de las generaciones anteriores: cuando los padres de Elm Street tomaron la justicia en sus propias manos y quemaron vivo a su vecino Krueger después de descubrir que era un pedófilo, él regresa como un fantasma. amenazar a sus hijos.El mensaje de Craven es claro: Krueger necesitaba ser llevado ante la justicia, pero las personas que toman la ley en sus propias manos nunca es justicia.Nancy, de Heather Langenkamp, ​​es la mejor chica final desde que Laurie Strode intentó derrotar a Krueger y lidiar con el pecado de sus padres.Sientes su vulnerabilidad y te identificas con ella con tanta fuerza como le esperan horribles espantos: las odiosas llamadas telefónicas de Krueger (de alguna manera incluso literalmente golpeando su lengua a través del receptor del teléfono) y su mano en forma de garra que emerge del agua del baño cuando se está sumergiendo en la bañera.Esas son imágenes imborrables, pero es para crédito de Craven que trabajan no para deshumanizar a Nancy, sino para hacerte identificar y empatizar aún más con ella.-CB

85. “Anticristo” (Lars von Trier, 2009)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Zentropa Ents./Kobal/REX/Shutterstock (5881752m) Charlotte Gainsbourg Antichrist - 2009 Director: Lars Von Trier Zentropa Ents. DINAMARCA Scene Still

“Antecristo”

Zentropa Ents./Kobal/REX/Shutterstock

La primera película en “Depression Trilogy”, del provocador maestro Lars von Trier, generó mucha controversia y generó una miríada de tesis y análisis, como con cualquier otra película de von Trier.Bellamente estilizada, llena de luto y desesperación, cuenta la historia de una pareja que, después de la muerte de su hijo, se retira a una cabaña en el bosque donde el hombre tiene visiones extrañas y la mujer se involucra en un comportamiento sexual cada vez más violento, “Anticristo” Se dice que fue influenciado por las propias luchas de von Trier con la depresión en el momento de su escritura.Es evidente. Ciertamente divisivo cuando se lanzó, en última instancia, puede considerarse como una meditación sobre las respuestas humanas al trauma psicológico.Prepárese para ser confrontado por su crueldad a veces gráfica. Por lo menos, el público quedará cautivado por sus impresionantes cuadros y sus fuertes actuaciones de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg.“Melancholia” y “Nymphomaniac” completan la trilogía de von Trier. -A

84. “¿Qué le pasó a Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962)

Uso editorial únicamente Crédito obligatorio: Foto de SNAP / REX / Shutterstock (390848p) LA PELICULA TODAVÍA DE'¿QUÉ LE PASÓ A BABY JANE?' CON 1962, AEROPLANO, ROBERT ALDRICH, JOAN CRAWFORD, MESA DE COMEDOR, GRIMACE EN 1962 VARIOS

“¿Qué le pasó a la bebé Jane?”

SNAP / REX / Shutterstock

Las mejores películas de terror incluyen tanto sustos a nivel superficial para una sacudida escapista como miedos más profundos con los que todos podemos relacionarnos.La adaptación de Robert Aldrich de la novela pulp de Henry Farrell podría haber sido simplemente impactante y schlock en su representación de dos hermanas, una ex estrella infantil Jane (Bette Davis) cuya fama fue eclipsada por el éxito posterior de su hermana estrella de cine Blanche (Joan Crawford ), que pasará el resto de su vida en una silla de ruedas después de un accidente por el que se culpa a Jane.Estos dos han sido olvidados por el mundo y cuando nos unimos a ellos parece que han estado viviendo la misma rutina diaria durante décadas: Jane se desliza por las escaleras llevando las comidas hasta Blanche con una sonrisa burlona y un comentario sarcástico.Sus vidas ya terminaron: están condenados a repetir las mismas quejas de hace siglos hasta el infinito.Lo único que podría cambiar es si el resentimiento de Jane se convierte en furia asesina.Lo hace. El verdadero miedo que Davis y Crawford aprovechan con tanta urgencia es el miedo al arrepentimiento, que se acumula en una escena final de hastío ambientada en una playa que rivaliza con las notas finales mucho más tímidas y artísticamente establecidas de hastío contemporáneo en “The 400 Blows” y “La Dolce Vita”: “¿Quieres decir que todo este tiempo podríamos haber sido amigos?”-CB

83. “El barco fantasma” (Mark Robson, 1943)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de RKO / Kobal / REX / Shutterstock (5868266b) Richard Dix The Ghost Ship - 1943 Director: Mark Robson RKO USA Scene Still

“El barco fantasma”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

Al igual que “The Long Voyage Home” de John Ford a través de “The Shining”, “The Ghost Ship” es el estudio de Val Lewton sobre cómo la agresión pasiva puede convertirse en un asesinato.El marinero Tom Merriam (Russell Wade) del buque mercante Altair llega a sospechar que algo está mal con el Capitán Stone (Richard Dix): en momentos clave parece entrar en pánico negativo, en otros le gusta aburrir a la tripulación con un tiempo seco y prolongado explicaciones de sus puntos de vista sobre la autoridad.Después de que un miembro de la tripulación, Louie (un joven Lawrence Tierney), cuestiona una de las órdenes de Stone, el capitán responde: “Sabes, hay capitanes que podrían tener esto en tu contra, Louie”.Poco después, Louie es aplastada por la cadena del ancla. ¿Coincidencia? Obviamente no. Pero incluso si el resto de la tripulación sospecha que Stone es un asesino, prefieren ignorar sus crímenes o explicarlos en lugar de ponerse del lado malo mientras están en el mar: depende de Wade’s Merriam interpretar el papel de un Will de alta mar. Kane, sacúdelos de su apatía y reconoce que el comportamiento del capitán no debe normalizarse.Nadie más quiere sacudir el bote. -CB

82. “La piel en la que vivo” (Pedro Almodóvar, 2011)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de El Deseo SA / Kobal / REX / Shutterstock (5884680h) Elena Anaya, Antonio Banderas The Skin I Live In - 2011 Director: Pedro Almodóvar El Deseo SA USA Escena todavía Drama La Piel Que Habito La piel que habito

“La piel en la que vivo”

El Deseo SA / Kobal / REX / Shutterstock

El autor español Pedro Almodóvar está en modo Hitchcock completo para este retorcido y sexy thriller de venganza médica adaptado de la novela criminal de Thierry Jonque de 2005, “Tarantula”.Reunido con su protegido Antonio Banderas (“Matador”) después de dos décadas, Almodóvar busca a un cirujano plástico fuera de lo común que persigue los límites de la terapia transgénica, utilizando genes de cerdo para crear una piel humana impenetrable.También mantiene cautiva a la hermosa Vera (Elena Anaya) en su casa, refrescando su epidermis detrás de una máscara blanca.La criada Marilia (Maris Paredes) también es uno de los muchos misterios que se revelarán: la cara de su esposa se quemó en un accidente, por un lado, en un mundo extraño donde todo puede suceder (y sucede).-A

81. “Suspiria” (Luca Guadagnino, 2018)

blank

“Suspiria”

Amazonas

Hay muchas películas de terror en las que el cine trasciende su guión de película B, pero la nueva versión de “Suspiria” de Luca Guadagnino se las arregla para hacer exactamente lo contrario: este guión denso y erudito a veces requiere Cliff’s Notes y un curso de nivel universitario de Witches 101 para entiendo, pero el cine es tan intenso y virtuoso que sirve como su propia exposición.Un movimiento provoca violencia, un corte su conexión sobrenatural. Las composiciones se convierten en lujuria, mientras que el sonido encarna la discordia del mundo.Incluso para los devotos de Guadagnino, la profundidad de su habilidad cinematográfica en bruto demostrada en esta película será asombrosa, tanto como la violencia desgarradora desestabilizará.-CO

80. “Kuroneko” (Kaneto Shindo, 1968)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Toho / Kobal / REX / Shutterstock (5872619b) Taichi Kiwako Kuroneko - 1968 Director: Kaneto Shindo Toho JAPAN Escena Todavía Yabu No Naka No Kuroneko / Gato negro de The Grove

“Kuroneko”

Toho / Kobal / REX / Shutterstock

Kaneto Shindo dirigió 48 películas en sus 100 años en este planeta, ninguna más inquietante que “Kuroneko”.Gran parte del trabajo del autor japonés fue perseguido por la bomba atómica lanzada en su ciudad natal de Hiroshima, lo que hace que esta película magistral sea una excepción: una enigmática historia de fantasmas ambientada durante el período Heian de Japón, presenta a un samurai asesino, los fantasmas malvados de dos mujeres que buscan vengarse de los soldados que los violaron y los mataron, y un gato negro cuya presencia presagia la muerte.“Kuroneko” es más aterrador por lo que no muestra que por lo que hace, lo que no quiere decir que lo que se exhibe no sea aterrador por sí mismo;Raramente los espíritus han estado tan justificadamente enojados. Vengarse más allá de la tumba es mejor que nada, pero también es un consuelo frío: después de todo, todavía están muertos.-MINNESOTA

79. “Mártires” (Pascal Laugier, 2008)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Canal Horizons / Canal + / Kobal / REX / Shutterstock (5875402c) Morjana Alaoui Martyrs - 2008 Director: Pascal Laugier Canal Horizons / Canal + FRANCE Scene Still

“Mártires”

Horizontes del Canal / Canal + / Kobal / REX / Shutterstock

El movimiento de la nueva extremidad francesa que dominó el horror francés durante los años 90 y comienzos llegó a su fin con los “Mártires” de 2008.Dos mujeres jóvenes, que sufrieron abusos extremos cuando eran niñas, buscan vengarse de las personas que creen que son sus captores, y en el proceso descubren lazos con un culto religioso más oscuro de lo que jamás podrían imaginar.Imbuido de la propensión del género a la violencia extrema, gráfica e increíblemente impactante, “Mártires” hace honor a su título y algo más, provocativamente difuminando las líneas entre el dolor extremo y el éxtasis.“Martyrs” presenta algunos de los choques más asombrosos que el terror ha ofrecido, y vale la pena saber muy poco, pero ten en cuenta que no es para los débiles de corazón.-JR

78. “The Vanishing” (George Sluizer, 1988)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Argos / Golden Egg / Kobal / REX / Shutterstock (5865466b) Johanna Ter Steege The Vanishing - 1988 Director: George Sluizer Argos / Golden Egg FRANCIA / PAÍSES BAJOS Escena todavía Spoorlos extranjero

“La desaparición”

Argos / Golden Egg / Kobal / REX / Shutterstock

Hay finales infelices, y luego está “The Vanishing”. En absoluto para los débiles de corazón, o incluso para la normalidad del corazón, este thriller holandés desalentador demostró tal sensación que George Sluizer lo rehizo en inglés cinco años después (lo que sucedió tan bien como cuando Michael Haneke hizo lo mismo con “Juegos divertidos”).Pocas películas de personas desaparecidas son tan visceralmente perturbadoras, con el simple caso de un hombre que busca a su novia después de que ella, bueno, desaparece de una estación de servicio sin dejar rastro y tiene un golpe de tripa que rara vez se ha igualado en las tres décadas posteriores a la película de Sluizer se hizo.Decir algo más sería regalar demasiado, pero que se sepa que tú también puedes dejar la sensación de “La desaparición” como si hubieras perdido algo que no puedes encontrar de nuevo.-MINNESOTA

77. “Casa en la colina encantada” (William Castle, 1959)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Allied Artists / Kobal / REX / Shutterstock (5878727f) Carolyn Craig, Richard Long House On Haunted Hill - 1958 Director: William Castle Allied Artists USA Scene Still La Maison de l'horreur

“Casa en la colina encantada”

Artistas aliados / Kobal / REX / Shutterstock

El amor por el truco de William Castle agregó un toque espeluznante al final del clásico thriller de la casa embrujada del cineasta, ya que un esqueleto real sería manipulado en el teatro para volar sobre una audiencia (con suerte aturdida) justo cuando algo similar se desarrollaba dentro de la película. .Como solía ser el caso con las películas de Castle, la adición de ese extra de horror y humor solo aumentó el impacto de una película que, a pesar de los esqueletos voladores, está tan bien diseñada como parece.Conocer la trama, y ​​esta es una trama que ha sido implacablemente despiadada por películas menores durante décadas, no diluye su poder, y los giros que siguen a una cena particularmente mala, en el transcurso de una noche particularmente mala, son frescos como siempre.Reforzada por la estrella Vincent Price como un millonario apropiadamente reservado que invita a un grupo mixto a su casa para una noche de emociones, escalofríos y revelaciones de asesinatos, la mejor película de Castle también es una adición fundamental al género en sí.Demonios, incluso se decía que Hitchcock era fanático. -KE

76. “Hermandad del lobo” (Christophe Gans, 2001)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Studio Canal + / Kobal / REX / Shutterstock (5876525c) Samuel Le Bihan, Monica Bellucci Le Pacte Des Loups / The Brotherhood of the Wolf - 2001 Director: Christophe Gans Studio Canal + FRANCE Scene Still Hermandad del lobo Le Pacte des loups

“Hermandad del lobo”

Studio Canal + / Kobal / REX / Shutterstock

Adaptado de la novela de David Farland sobre la leyenda urbana francesa del siglo XVIII de la bestia gigante de Gévaudan, el actor de artes marciales de terror de 29 millones de dólares recibió un disparo en el castillo de Roquetaillade y está protagonizado por Samuel Le Bihan como Caballero y naturalista real Grégoire de Fronsac, quien investiga una misteriosa bestia lobo gigante con garras de metal que aterroriza el campo francés.Fronsac se da cuenta de que la bestia es un instrumento de una sociedad secreta, La Hermandad del Lobo, que está tratando de socavar al rey y apoderarse del país.Él y su compañero iroquesa Mani (Mark Dacascos) intentan capturar a la bestia, que puede ser más león que lobo.El elegante entretenimiento inspirado en Sergio Leone obtuvo más de $ 70 millones en todo el mundo.-A

75. “Hermanas” (Brian De Palma, 1973)

blank

“Hermanas”

tapa de la pantalla

Brian De Palma siempre ha llevado su admiración por Alfred Hitchcock en su manga cinematográfica, y “Sisters” de 1973 pone su propio toque en “Rear Window”.Grace, una periodista de investigación, accidentalmente presencia a su vecina asesinando a un hombre, pero cuando llega la policía, no hay evidencia del crimen.Aunque todos están convencidos de que está loca, Grace intenta descubrir la verdad sobre su vecina, que puede o no estar ocultando a su hermana gemela asesina del mundo, pero los oscuros secretos que Grace finalmente la destruyen al final.“Sisters” es al mismo tiempo el espeluznante thriller que uno espera de De Palma, pero también es una película sorprendentemente premonitoria que muestra las consecuencias perjudiciales del gaslighting y no creer en las mujeres.-JR

74. “Raw” (Julia Ducournau, 2016)

blank

“Crudo”

Focus World

La directora por primera vez, Julia Ducournau, aterrorizó y cautivó al público de Cannes con su espantoso cuento sobre la mayoría de edad, combinando miedos clásicos del canibalismo con una perspectiva claramente femenina.La película sigue a una joven estudiante (Garance Marillier) que descubre algunas verdades incómodas sobre sí misma (y el mundo) cuando se dirige a la escuela veterinaria (realmente, el escenario ideal para una película de terror corporal).Justine de Marillier es una vegetariana dedicada, por lo que cuando se ve obligada a soportar un repugnante ritual de novatadas que involucra mucha sangre e hígado crudo, se sorprende al descubrir cuánto disfruta el sabor de la carne.A medida que crece el hambre de Justine por consumir carne, también lo hace su deseo de experimentar los placeres de la carne de diferentes maneras.Es visceral, desafiante y, a menudo, simplemente asombroso. -KE

73. “Henry: Retrato de un asesino en serie” (John McNaughton, 1986)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Maljack Prods / Kobal / REX / Shutterstock (5877007c) Michael Rooker Henry - Retrato de un asesino en serie - 1989 Director: John McNaughton Maljack Prods Escena de EE. UU.

“Henry: Retrato de un asesino en serie”

Maljack Prods / Kobal / REX / Shutterstock

Filmado en 16 mm en menos de un mes, este frío indie de $ 110,000 construyó su reputación de culto con clasificación X en el circuito del festival de cine e hizo un nombre para Michael Rooker, de cabello rizado, quien presenta magnéticamente la película como el homónimo homicida Henry.El asesino sediento de sangre se mueve obstinadamente de pueblo en pueblo, cambiando su modus operandi para evitar ser detectado por la policía local.Le acompaña brevemente un viejo amigo de la prisión, Otis (Tom Towles) en una matanza de Chicago;El dúo no solo aniquiló a toda una familia, sino que lo grabó en video para su posterior disfrute.Cuando Becky, la hermana de la mala suerte de Otis, se enamora de Henry, no puede ser bueno.-A

72. “La hora del lobo” (Ingmar Bergman, 1968)

Uso editorial únicamente Crédito obligatorio: Foto de SNAP / REX / Shutterstock (390890fp) LA PELICULA TODAVÍA DE'HORA DEL LOBO' CON 1968, INGMAR BERGMAN, INGRID THULIN, MAX VON SYDOW EN 1968 VARIOS

“Hora del lobo”

SNAP / REX / Shutterstock

Antes de esta salida de 1968, Ingmar Bergman había incursionado ocasionalmente con elementos de horror en su carrera, particularmente con “El séptimo sello” de 1957 y “La primavera virgen” de 1960, pero “Hora del lobo” encontró que el estimado director se entregaba completamente al género con resultados inquietantes.Un artista y su esposa viven en una isla remota, donde el artista está preocupado por su pasado y lo que cree que son demonios que lo persiguen.Durante la “hora del lobo”, el momento en que ocurren la mayoría de los nacimientos y muertes, el artista se abre a su esposa sobre la oscuridad de su pasado, sus traumas infantiles y un ex amante, antes de darse cuenta de que el pasado podría no ser tan tan lejos como alguna vez creyó, y podría estar esperándolo en toda la isla.“La hora del lobo” se siente como un sueño de fiebre surrealista (o pesadilla), que plantea muchas preguntas sobre lo que realmente está sucediendo y lo que se imagina.No sería una película de Bergman sin Liv Ullman, Max von Sydow y muchas preguntas existenciales, pero “Hour of the Wolf” también presenta una espeluznante mini-ópera, presagiando la versión posterior de Bergman de “La flauta mágica”.Puede ser la única película de terror del director, pero es una película espeluznante y verdaderamente inolvidable.-JR

71. “Drácula de Bram Stoker” (Francis Ford Coppola, 1992)

"Drácula de Bram Stoker"

“Drácula de Bram Stoker”

SNAP / REX / Shutterstock

Francis Ford Coppola desata la sexualidad que siempre acechaba debajo del original “Drácula” de Bram Stoker en un color suntuoso y visuales deliciosos.Creada en un escenario sonoro sin efectos visuales, la película ha sido criticada por sus buenos modales y su extravagancia ornamentada, pero pocas películas en la era moderna de Hollywood han usado el color y el vestuario de manera tan expresiva, ya que el trabajo de la diseñadora Eiko Ishioka ocupa un lugar central en revelar el ardor interno. emociones de los personajes.A medida que han pasado 26 años, es imposible no sentir el latido del corazón de la película fluir a través de la precisión de Coppola, ya que la película ha envejecido como un buen vino.-CO

70. “La Séptima Víctima” (Mark Robson, 1943)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de RKO / Kobal / REX / Shutterstock (5870820a) Hugh Beaumont, Kim Hunter, Erford Gage La séptima víctima - 1943 Director: Mark Robson RKO Scene Still

“La séptima víctima”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

Val Lewton solía dar a las películas de terror que produjo un escenario único: una isla griega en “Isla de los Muertos”, una isla caribeña en “I Walked With a Zombie”, Edimburgo del siglo XIX en “The Body Snatcher”.Un desafío mayor es extraer la inquietud y la amenaza de un entorno perfectamente cotidiano, como el metro de la ciudad de Nueva York.Eso es lo que hizo en “La séptima víctima”, que, más que “Cat People”, que también se estableció en Manhattan, se sumerge en el temor de lo común en la vida de la ciudad de Nueva York.Una joven busca a su hermana desaparecida con la ayuda de un PI escarpado: él es apuñalado hasta la muerte y ella huye de la escena, tan aterrorizada que termina haciendo un circuito completo en el metro.Cuando se detiene en la estación donde ella subió, justo cerca del detective privado que fue asesinado, dos hombres se suben, apoyándolo, tratando de actuar como si todavía estuviera vivo.Obviamente, ellos fueron los que lo mataron y cuentan con la indiferencia de los neoyorquinos a su entorno como su cobertura para deshacerse de él.Es muy escalofriante porque esto realmente podría suceder. Resulta que está involucrado un culto satánico, claramente un prototipo para los habitantes de Manhattan adoradores del diablo en “Rosemary’s Baby”, pero “La Séptima Víctima” se queda con usted porque revela una verdad esencial: los demonios personales siempre dan más miedo que los literales.-CB

69. “Alta tensión” (Alexandre Aja, 2003)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Alexandre / Europa Corps / Kobal / REX / Shutterstock (5874771d) Cecile De France Haute Tension / Switchblade Romance - 2003 Director: Alexandre Aja Alexandre Films / Europa Corps FRANCE Scene Still Still High Tension

“Tension alta”

Alexandre / Europa Corps / Kobal / REX / Shutterstock

Una de las entradas más divisivas y más conocidas de la Nueva Extremidad Francesa, “High Tension” puso al director Alexandre Aja en el mapa con el público estadounidense con su brutal thriller psicológico.Marie se dirige a la casa de campo aislada de su compañero de clase Alex para estudiar para los exámenes finales, pero el idílico retiro rural se convierte en un baño de sangre cuando un asesino en serie brutal mata a toda la familia, tomando a Alex como rehén.Luego, Marie se transforma en la última Chica Final, luchando por rescatar a su Alex antes de que encuentre un final devastador … excepto que no todo es lo que parece.El gran giro de la película ha dividido al público desde su estreno en 2003, pero “High Tension” sigue siendo un emocionante slasher, lleno de muchos sustos y gore para satisfacer incluso a los fanáticos de terror más escépticos.-JR

68. “Vestido para matar” (Brian De Palma, 1980)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Filmways / Kobal / REX / Shutterstock (5883460j) Angie Dickinson vestida para matar - 1980 Director: Brian De Palma Filmways EE. UU.

“Vestida para matar”

Filmways / Kobal / REX / Shutterstock

Brian De Palma estaba en la cima de sus poderes como el maestro de pastiche cuando hizo esta fascinante historia de terror Hitchcockian sobre asesinos de ascensores y personas inseguras en sus propios cuerpos.Al principio, la historia de una mujer promiscua (Angie Dickinson), “Dressed to Kill”, toma prestada una página de “Psycho” al sacar a su aparente protagonista de la imagen después del primer acto.A partir de ahí, el espectro de una misteriosa mujer trans llamada Bobbi en una ola de asesinatos se cierne a lo largo de la historia, mientras acecha a Liz (Nancy Allen) mientras un psiquiatra (Michael Caine) hace frenéticos intentos de advertir a la policía sobre la amenaza en cuestión.El giro sobre la verdadera identidad de Bobbi es obvio para cualquier espectador comprometido, pero el elegante riff de tropos slasher de De Palma utiliza la familiaridad de su trama sinuosa para ofrecer una meditación brillante sobre la identidad sexual fluida, y las frustraciones de verse obligado a suprimirla, mucho antes El concepto tenía mucha visibilidad en la cultura popular.Es un examen brillante y arriesgado de la feminidad, el terror involucrado en ser objeto de una mirada masculina insaciable, y lo que sucede cuando los deseos latentes permanecen desatendidos.Ninguna película de terror hecha hoy tiene las agallas para ir allí. -EK

67. “Navidad negra” (Bob Clark, 1974)

blank

“Navidad negra”

tapa de la pantalla

Bob Clark es quizás mejor conocido por su otra película de vacaciones, “A Christmas Story”, pero “Black Christmas” de 1974 merece tanta atención.Ubicado en una casa de hermandad durante las vacaciones de Navidad, un grupo de mujeres universitarias son acosadas y lentamente asesinadas por un asesino trastornado que se esconde dentro de la morada.La trama suena formulista, pero “Black Christmas” sigue siendo atemporal gracias a su terrorífico y evasivo asesino, “Billy”, cuya historia de fondo nunca se revela, así como un final premonitorio que no ofrece mucha esperanza para Final Girl, Jess. .Pero más allá de esto, “Black Christmas” también es notablemente feminista para su época, ya que Jess elige un aborto y una carrera en lugar de quedar atrapada en una relación sin amor.Del mismo modo, el terror que sienten las mujeres cuando están plagadas de llamadas telefónicas obscenas deja en claro que algunos horrores son muy comunes y no requieren un hombre del saco con una máscara.-JR

66. “El descenso” (Neil Marshall, 2005)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Celador / Pathe / Kobal / REX / Shutterstock (5882676r) Shauna Macdonald The Descent - 2005 Director: Neil Marshall Celador / Pathe UKScene StillAction / AdventureDescent

“El descenso”

Celador / Pathe / Kobal / REX / Shutterstock

Un año después de un trágico accidente, seis novias aventureras se encuentran en una parte remota de los Apalaches para su viaje anual de espeleología.Después de que un accidente atrapa al grupo en las profundidades, inesperadamente se encuentran cara a cara con una raza de monstruosas criaturas humanoides que acechan debajo de la tierra.La película de terror de supervivencia tensa, emocionante y claustrofóbica de Neil Marshall está protagonizada por un raro elenco femenino que se abre paso a través de una escena tras escena emocionante en esta pesadilla cinematográfica hábilmente dirigida y bien actuada, que también sirve como una meditación sobre cuestiones de moralidad y venganza.Una de las características de criatura más emocionantes del siglo XXI, generó una secuela menor, aunque sin la participación de Marshall.-A

65. “La invasión de los ladrones de cuerpos” (Don Siegel, 1956)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Allied Artists / Kobal / REX / Shutterstock (5882228e) King Donovan, Kevin McCarthy, Dana Wynter Invasion Of The Body Snatchers - 1956 Director: Don Siegel Allied Artists USA Scene Still Scifi Sleep No More L'Invasion des profanateurs de sépultures

“La invasión de los ladrones de cuerpos”

Artistas aliados / Kobal / REX / Shutterstock

¿Qué es peor que la muerte? Muchas películas de terror intentan responder eso: simplemente morir, algo que toda persona que haya vivido nunca puede ser lo más aterrador que enfrentamos.Siegel sugiere que perder tu individualidad es, de hecho, algo peor. El doctor de la pequeña ciudad, Kevin McCarthy, comienza a sospechar que algo está mal en su comunidad; algunas personas están comenzando a actuar sospechosamente robóticas.Luego, un amigo le muestra un doppelganger perfecto, una “persona de pod”, que está creciendo en una mesa de billar en su casa.Parece que una fuerza siniestra, posiblemente extraterrestres, está asumiendo el control silenciosamente reemplazando a las personas con duplicados exactos.Una metáfora de conformidad y pérdida del libre albedrío que ha influido en todo, desde “Las esposas de Stepford” hasta “Salir”, “Invasion of the Body Snatchers” es una poderosa dramatización del miedo y la alienación que resulta cuando piensas que algo está mal que todos De lo contrario piensa que es correcto.-CB

64. “Un cuento de dos hermanas” (Kim Jee-woon, 2003)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Masulpiri / Kobal / REX / Shutterstock (5873783c) A Tale Of Two Sisters (2003) A Tale Of Two Sisters - 2003Director: Ji-Woon KimMasulpiri FilmsSOUTH KOREAScene StillForeignHongryeon Janghwa2 soeurs

“El cuento de dos hermanas”

Masulpiri / Kobal / REX / Shutterstock

El horror coreano ha proporcionado algunos de los mayores sustos en los últimos años, y “A Tale of Two Sisters” es otra entrada maravillosamente deformada y aterradora, llena de fantasmas vengativos y giros sorprendentes.Una niña, Su-mi, regresa a su hogar en la propiedad aislada de su padre después de una estadía en una institución mental.Está feliz de reunirse con su hermana menor, Su-yeon, pero no está muy contenta de ver a su madrastra, Eun-joo.Eun-joo fue una vez enfermera para la madre moribunda de las niñas, y existe un resentimiento mutuo entre las niñas y su madrastra.Cuando Eun-joo comienza a arremeter contra las chicas, apuntando especialmente a Su-yeon, su padre es ciego al abuso, creando un conflicto brutal que hará surgir secretos dolorosos, amenazando con abrir una brecha entre las dos hermanas para siempre.“A Tale of Two Sisters” es un thriller psicológico que tira de la alfombra de debajo de los espectadores más de una vez, renuncia a los giros más obvios y revela un final verdaderamente desgarrador que hará que quieras volver a ver la película nuevamente.-JR

63. “Deja entrar al correcto” (Tomas Alfredson, 2008)

Lina Leandersson en "Let The Right One In"

Lina Leandersson en “Let The Right One In”

Snap Stills / REX / Shutterstock

En el momento exacto en que “Crepúsculo” se estaba incorporando a nuestras venas culturales, esta tranquila y hermosa película sueca era exactamente el antídoto que el público necesitaba desesperadamente.El director Tomas Alfredson no siempre parece preocupado por la convención de género en su historia íntima de un niño acosado de 12 años y el vampiro con el que se hace amigo.En la era digital, las películas de terror a menudo dependen de un aspecto sombrío sin sabor, pero en la cinematografía de Hoyt Van Hoytema no solo podemos ver en la oscuridad, está llena de una de las paletas de colores más exclusivas del cine moderno.Mientras creamos una atmósfera en la que sentimos una presencia al acecho en la bruma oscura, los colores hermosos y apagados crean una intimidad con los personajes jóvenes.-CO

62. “La escalera de Jacob” (Adrian Lyne, 1990)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore / REX / Shutterstock (1576618a) Jacob's Ladder, Tim Robbins Film and Television

“La escalera de Jacob”

Moviestore / REX / Shutterstock

Ese cineasta Adrian Lyne es mejor conocido por el público en general por sus novelas de suspenso eróticas como “Infiel” y “9 1/2 semanas” no debe disuadir a los fanáticos del horror de experimentar su arriesgada “Jacob’s Ladder”.Después de todo, el trabajo más sexy de Lyne proporciona una ventana a su capacidad para centrar historias en el cuerpo humano, un concepto retorcido a fines alucinógenos en esta historia protagonizada por Tim Robbins.Esencialmente una película sobre las secuelas de la Guerra de Vietnam, Lyne desarrolla hábilmente la tensión y el terror mientras Jacob de Robbins intenta navegar por el mundo “normal” después de vivir el infierno de la batalla.Si bien la película no rehuye las visiones desgarradoras que plagan a Jacob (desde los recuerdos de antes de la guerra hasta una escena de fiesta que lo ve casi totalmente entregado a sus monstruos, reales o imaginarios), también ofrece pruebas convincentes de que Los verdaderos terrores de este mundo no son solo hombres del saco, y eso es mucho peor.-KE

61. “Evil Dead II” (Sam Raimi, 1987)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Rosebud / Renaissance / Kobal / REX / Shutterstock (5879493g) Sarah Berry, Dan Hicks, Bruce Campbell, Kassie Wesley Evil Dead II - 1987 Director: Sam Raimi Rosebud / Renaissance USA Scene Still Horror Evil Muertos 2

“Evil Dead II”

Rosebud / Renacimiento / Kobal / REX / Shutterstock

Mientras que las franquicias de terror de los 80 como “Halloween” y “Nightmare on Elm Street” tropezaron con secuelas subdesarrolladas, el director Sam Raimi tuvo el descaro de aportar algo totalmente nuevo a la secuela de su sorprendente sorpresa de cabaña en el bosque “The Evil Dead”. “- golpes de remate.Como único sobreviviente de las amenazas macabras de la película anterior, Ash, el chico chiflado de Bruce Campbell, regresa a la escena de los eventos anteriores, donde los espíritus monstruosos una vez más se arrojan sobre él desde todas las direcciones.Cuando Ash, de ojos salvajes, intenta vencer la presencia demoníaca que lo rodea en los muros desde todos los ángulos, Raimi fusiona la intensidad espantosa del género de las salpicaduras con las alturas de comedia surrealistas de una caricatura de Looney Tunes.Sí, hay una famosa escena de amputación que une a Ash con su icónico brazo de motosierra, pero “Evil Dead II” es más que un patio de juegos sangriento.En un momento decisivo, la cámara se acerca a la cara de Ash mientras él se ríe a carcajadas, mientras todo a su alrededor, incluida una pantalla de lámpara, se une. Es una ilustración brillante de la delgada línea entre la comedia y el horror por la que camina esta película. bueno, hasta el giro sorpresa de un final que establece una tercera entrada en esta franquicia de terror original que se dirige en una dirección completamente nueva.Pocos ejemplos del género han superado tantas expectativas sin dejar de ser satisfactorio durante todo el proceso.-EK

60. “Poltergeist” (Tobe Hooper, 1982)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de MGM / Sla / Kobal / REX / Shutterstock (5883494l) Craig T. Nelson, Heather O'Rourke, Jobeth Williams Poltergeist - 1982 Director: Tobe Hooper MGM / Sla Entertainment USA Scene Still Poltergeist - La venganza des fantômes

“Duende”

MGM / Sla / Kobal / REX / Shutterstock

“The Shining” y otras historias de fantasmas han utilizado la presunción de construir en un cementerio de nativos americanos que conducen a disturbios sobrenaturales: el Destino Manifiesto como pecado original e incidente incitante.“Poltergeist” le da a esa noción un giro de la era Reagan: el problema aquí es que se ha construido una nueva comunidad cerrada sobre lo que antes era el cementerio de la ciudad.“Son solo … personas”, dice el desarrollador de bienes raíces detrás del proyecto, tan directo como una acusación de inhumanidad corporativa como lo demuestra cualquier película.Los fantasmas de los que ya no descansan en paz invaden la casa de una familia a través de los pacíficos adornos de los suburbios: los juguetes para los niños y la televisión para los adultos.Teniendo en cuenta cuántas personas creen que sus televisores están embrujados, el profesor de la Universidad de Northwestern Jeffrey Sconce incluso escribió un libro sobre el tema titulado “Haunted Media” , es sorprendente que las apariciones electrónicas no se hayan explorado aún más en la pantalla.O tal vez es solo que “Poltergeist” lo hizo definitivamente. -CB

59. “El sexto sentido” (M. Night Shyamalan, 1999)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Ron Phillips / Hollywood / Kobal / REX / Shutterstock (5879446e) Haley Joel Osment, Bruce Willis The Sixth Sense - 1999 Director: M. Night Shyamalan Hollywood Pictures USA Scene Still Mystery / Suspense The 6th Sense Le sixième Sens

“El sexto sentido”

Ron Phillips / Hollywood / Kobal / REX / Shutterstock

El estreno de M. Night Shyamalan le valió al cineasta la reputación de estar en deuda con sus grandes giros narrativos, y si bien ese puede ser el caso (su último giro llegó a inspirar una película completamente nueva), es difícil cuestionar el poder de su mayor revelación.La característica protagonizada por Bruce Willis es bastante espeluznante sin su asombroso acto final, con el actor como un psicólogo infantil ahorcado dando vueltas con un niño aterrorizado (Haley Joel Osment) que viene armado con una de las frases más indelebles del cine moderno (es difícil de superar “Veo gente muerta”, y ¿quién querría intentarlo?).Qué pareja hacen, y Shyamalan guía hábilmente la película para que parezca que están trabajando hacia una conclusión, antes de cambiar a una completamente diferente que es tan discordante como parecen.Es una película que pide una nueva revisión instantánea, mucho mejor para recoger todas las pequeñas y aterradoras pistas que Shyamalan ha presentado en el camino.-KE

58. “The Haunting” (Robert Wise, 1963)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de MGM / Kobal / REX / Shutterstock (5881587k) Russ Tamblyn, Claire Bloom, Richard Johnson The Haunting - 1963 Director: Robert Wise MGM BRITAIN Escena Todavía horror La Maison du diable

“La inquietante”

MGM / Kobal / REX / Shutterstock

Adaptada por Nelson Gidding de la novela de 1959 “The Haunting of Hill House” de Shirley Jackson (quien sugirió el título de la película), “The Haunting” está protagonizada por Julie Harris como Eleanor, una mujer tímida que una vez experimentó poltergeists.Se une a un grupo organizado por un investigador paranormal (Richard Johnson), que incluye una psíquica lesbiana moderna (Claire Bloom) y el hijo del actual propietario de la casa (Russ Tamblyn), para estudiar una mansión embrujada abandonada plagada de muerte.El cineasta aprovechó al máximo un presupuesto mucho más bajo que “West Side Story” llevando el rodaje a Inglaterra.Utilizó una cámara Panavision de gran angular experimental de 30 mm con un efecto inquietante para retratar al personaje más memorable de la película, la casa, desde ángulos extraños, discordantes y dislocados, que a menudo muestran el punto de vista mentalmente inestable de Eleanor.La tripulación dobló las paredes, desestabilizó una escalera de caracol, aplicó maquillaje fotosensible para que los actores se vieran pálidos cuando estaban parados en un “lugar frío”, dio un susto cuando la cabeza de una mujer desaparecida aparece y lo más inquietante, “se transformó” una mujer desde la infancia hasta la vejez fotografiando a cuatro actrices de diferentes edades y uniéndolas con disoluciones.Si bien la película recibió críticas mixtas en el lanzamiento, ha generado seguidores de culto y es considerada por muchos, incluidos Martin Scorsese y Steven Spielberg, como una de las películas de terror más aterradoras de todos los tiempos.Habiéndolo visto cuando salió por primera vez, por mi parte tengo cicatrices de por vida.-A

57. “The Conjuring” (James Wan, 2013)

"CASA INT PERRON - BODEGA Carolyn se voltea y dispara hacia el techo John Brotherton (Brad), Vera Farmiga (Lorraine), Patrick Wilson (Ed), Ron Livingston (Roger)"

“El conjuro”

Michael Tackett

Un relato ficticio bien pulido de los casos de la vida real de los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren, la película de Wan muestra a los buscadores sobrenaturales que se ocupan del caso de la familia Perron, nuevos propietarios de una casa de Rhode Island que parece estar encantada.Una descendencia de “El exorcista”, ambientada en un complejo aislado, vasto y animado, si se siente familiar es porque la película se basa en motivos de películas de terror de la vieja escuela para sus sustos.Pero sigue siendo eficaz, gracias en parte a las actuaciones creíbles de su elenco, en particular las estrellas Patrick Wilson y Vera Farmiga como Ed y Lorraine, que tienen una química natural en la pantalla.Y la decisión de Wan de limitar su uso de efectos generados por computadora es sabia.La primera película en lo que se ha dado en llamar “El universo conjurante”, generó una secuela y tres spin-offs que colectivamente han ganado más de $ 1.5 mil millones en la taquilla en todo el mundo, haciendo de esta la franquicia de películas de terror más taquillera de la historia.-A

56. “Twin Peaks: fuego camina conmigo” (David Lynch, 1992)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Lynch-Frost / Kobal / REX / Shutterstock (5880137b) Sheryl Lee, Kyle Maclachlan Twin Peaks - Fire Walk With Me - 1992 Director: David Lynch Lynch-Frost / Ciby 2000 USA Scene Still Drama Twin Peaks (Les derniers jours de Laura Palmer)

“Twin Peaks: fuego camina conmigo”

Lynch-Frost / Kobal / REX / Shutterstock

Concebida como un prólogo y una posdata para la serie de televisión original “Twin Peaks”, “Twin Peaks: Fire Walk with Me” de David Lynch se ha renovado desde entonces en una especie de puente entre las viejas y nuevas iteraciones del programa. ;el nexo oscuro de ese universo en particular. Pero centrarse en su función dentro de la mitología de Lynch es pasar por alto “Fire Walks with Me” como una experiencia en sí misma;Incluso en el vacío, es una de las películas más desgarradoras emocionalmente jamás realizadas.Lynch ha dicho que “estaba enamorado del personaje de Laura Palmer y sus contradicciones: radiante en la superficie pero muriendo por dentro”.Esta película, que en su mayoría sigue a Laura (Sheryl Lee) en los días previos a su asesinato, cristaliza cómo esta historia siempre ha oscilado entre el trauma intratable del abuso y el poder abrumador del amor.Colocando al padre de Laura (un Ray Wise cicatrizado) como el pozo debajo de ese péndulo, “Fire Walk with Me” enciende una luz en el vacío debajo de una pintoresca ciudad de Washington, y descubre que el cielo y el infierno podrían estar mucho más juntos de lo que parecen. nivel de la calle.Los sustos se meterán debajo de la piel y los residuos que viven detrás permanecerán debajo de las uñas.-DELAWARE

55. “La niebla” (John Carpenter, 1980)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Debra Hill Prods / Kobal / REX / Shutterstock (5879684j) Hal Holbrook The Fog - 1979 Director: John Carpenter Debra Hill Prods USA Scene Still Fog

“La niebla”

Debra Hill Prods / Kobal / REX / Shutterstock

“¡Una celebración de nuestro pasado!” declara la pancarta triunfal que cuelga sobre la plaza del pueblo de Antonio Bay, California, en honor a su celebración del centenario.El director John Carpenter, en su primera película después del hito “Halloween”, nos hace hacer una pregunta importante: ¿quién escribió esa historia que estamos celebrando?Los fantasmas que salen de las brumas que salen del Pacífico tienen una perspectiva muy diferente sobre Antonio Bay y sus residentes, y si no pueden escribir su propia historia en los libros de historia, escribirán una historia de la actualidad. venganza en cambio, en sangre.Con un escenario muy parecido a “The Birds”, “The Fog” es una obra maestra del estado de ánimo.Y presenta tanto a Jamie Lee Curtis como a su madre Janet Leigh, pero esto no es un pastiche de terror escapista.¿Hasta qué punto la gente de hoy tiene culpa por los crímenes de sus antepasados?¿Se deben reparaciones? Carpenter examina el peso aplastante del pasado y sugiere que la historia puede ser la última historia de terror.-CB

54. “The Babadook” (Jennifer Kent, 2014)

Essie Davis en The Babadook

“El Babadook”

IFC Films

En los últimos 20 años, ningún director ha llegado a su primer largometraje tan plenamente formado como narradora y maestra de cine como la actriz convertida en escritora / directora Jennifer Kent.La historia de Kent de una madre viuda (Essie Davis) que lucha contra el miedo de su hijo a que un personaje de un libro de cuentos cobre vida es aterrador, pero en lugar de confiar en trucos de miedo que han definido el género en los últimos años, Kent usa composiciones precisas y precisión mecánica para generar tensión y atraer a los espectadores a una escena.Kent no es simplemente un técnico principal, sino uno que usa el género de terror para abordar un tema (la carga de la maternidad) que no se discute en compañía cortés y crea algo que es más impactante que cualquier pieza “importante” de cebo Oscar.-CO

53. “La bruja” (Robert Eggers, 2015)

Anya Taylor-Joy en La bruja

“La bruja”

A24

El increíblemente seguro Folktale de Nueva Inglaterra de Robert Eggers no está jodiendo.Y, solo para asegurarte de que lo sabes desde el principio, una de sus primeras escenas encuentra una bruja demoníaca, la piel de su espalda pintada con la luz de la luna llena, robando un bebé de la familia puritana que ha sido exiliado al parte de su dominio forestal y aplastando a la niña en pedazos con una mano de mortero.Hay varias razones por las que “The Witch” es una experiencia perversamente vertiginosa (el rigor kubrickiano del director y su fetiche por los detalles del período, entre otros), pero la película es en última instancia una vista tan sorprendente para la vista debido a la seriedad de Eggers. comprometido con el bit.Se apoya en los temores y las fascinaciones de la vida del siglo XVII y se apoya en ellos con fuerza, y ese enfoque inquebrantable hace posible que los espectadores de hoy en día crean en el poder del diablo y la cabra que podría servir como su mensajero.Combínalo con un final ir a la quiebra, agrega una actuación estrella de Anya Taylor-Joy a la mezcla, y tienes un nuevo clásico estadounidense que tiembla con los ecos de los primeros horrores visitados en este país.-DELAWARE

52. “Frankenstein” (James Whale, 1931)

blank

“Frankenstein”

Shutterstock

Es lógico que una novela tan influyente y progresista como “Frankenstein” de Mary Shelley inspire un clásico de pantalla grande igualmente único y duradero.La versión de James Whale de la historia de un médico esforzado y la criatura extraña que él junta de los muertos contribuyó poderosamente a cómo la gente imagina al monstruo, con el retrato grande y pesado de Boris Karloff todavía sirviendo como el estándar de oro.Pero mientras el monstruo de Frankenstein (¡siempre “el monstruo de Frankenstein”, nunca solo “Frankenstein”!) Es un objeto de terror en la película, Whale también se aseguró de superponer todo ese horror comprensible con el propio mensaje de Shelley sobre la bestialidad de la humanidad misma.-KE

51. “La escalera de caracol” (Robert Siodmak, 1946)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de RKO / Kobal / REX / Shutterstock (5874934a) The Spiral Staircase (1946) The Spiral Staircase - 1946 Director: Robert Siodmak RKO USA Scene Still Mystery / Suspense Deux mains, la nuit

“La escalera de caracol”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

“No hay lugar en todo el mundo para la imperfección”, declara el villano principal.Es un asesino en serie que ha estado en una serie de asesinatos de mujeres discapacitadas.Y ahora está apuntando a una joven criada (Dorothy Maguire) que está muda; sabemos que está en su punto de mira porque la vemos desde su punto de vista.Cuando la mira, ve su rostro sin boca por completo, al igual que la imagen de Keanu Reeves con la boca cerrada en “The Matrix”.El director Robert Siodmak concibió un lenguaje visual para el odio asesino aquí: el villano es tan intolerante con cualquiera que él ve como menos que “perfecto” que literalmente los ve de manera diferente.En este caso, apuntando a los discapacitados recuerda la persecución nazi de personas con discapacidades físicas y mentales: la Segunda Guerra Mundial había terminado solo un año antes, y el propio Siodmak había huido de los nazis debido a su herencia judía.El resultado es que “The Spiral Staircase” es una obra de Gothic Horror para un mundo que todavía se tambalea por el Holocausto.-CB

50. “Candyman” (Bernard Rose, 1992)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Polygram / Kobal / REX / Shutterstock (5878137f) Tony Todd Candyman - 1992 Director: Bernard Rose Polygram USA Scene Still

“El hombre de los dulces”

Polygram / Kobal / REX / Shutterstock

¿Un boogieman aterrorizando un proyecto de vivienda pública? El escenario de la película solo lo separa de muchos de sus hermanos de cine slasher.Basado en el cuento corto de Clive Barker “The Forbidden”, el director Bernard Rose traslada la historia del Liverpool natal de Barker a los edificios ruinosos y “atemorizantes” de los proyectos Cabrini-Green en Chicago.Fue una decisión inspirada que modificó los matices clasistas de la historia original en explícitamente raciales, convirtiendo esto en una meditación más subversiva sobre la raza.La inquietante leyenda sobre el terror con las manos enganchadas se centra en un escéptico candidato a doctorado blanco que trabaja en una tesis sobre leyendas urbanas, que se entera de la leyenda de Cabrini-Green Candyman y va a investigar.Protagonizada por Virginia Madsen como una heroína atípica de la película slasher, la película cuenta con uno de los villanos de películas de terror más intrigantes, con una complejidad arraigada en una historia de fondo trágica que lo hace simpatizar: un famoso artista negro e hijo de esclavos que paga un alto precio, amputación y una muerte espeluznante, por enamorarse de la hija de un hombre blanco que lo contrata para pintar su retrato.Profundizando un poco más que una película de terror promedio, la película está protagonizada por el físicamente imponente Tony Todd como Candyman, cuya voz sonora y fría persigue mucho después de que termine la película.-A

9. “The Lodger” (John Brahm, 1944)

Uso editorial únicamente Crédito obligatorio: Foto de SNAP / REX / Shutterstock (390929ft) LA PELICULA TODAVÍA DE'LODGER' CON 1944, SARA ALLGOOD, JOHN BRAHM, LAIRD CREGAR EN 1944 VARIOS

“El huésped”

SNAP / REX / Shutterstock

En la versión silenciosa de Hitchcock de “The Lodger” de 1927, el Maestro de Suspenso (aún no del todo) inauguró una versión de su fórmula de “hombre equivocado perseguido inocentemente” que luego perfeccionaría en “The 39 Steps” y “North by Noroeste.”El remake de John Brahm va en una dirección decididamente diferente: no es spoiler decir que el Sr. Slade (Laird Cregar), quien se ha llevado una habitación en la casa londinense de una pareja de mediana edad (Sir Cedric Hardwicke y Sara Allgood), de hecho el asesino.Obsesionado con su difunto hermano, quien murió después de beber hasta morir a causa de un corazón roto, Slade culpa al sexo femenino en su totalidad por su muerte prematura.Entonces lo llevan a asesinar mujeres al azar como venganza. Cregar mide 6’3 “y pesa más de 300 libras, pero, tan físicamente imponente como él, su Slade es el frágil ego masculino en dos patas.Particularmente amenazador para él es el empoderamiento sexual femenino, por lo que cuando ve a la hija del intérprete (Merle Oberon) de su casero y su casera brincando sobre el escenario, su rostro se convierte en una máscara retorcida de masculinidad tóxica: se siente atraído por ella pero odia ella, la desea pero quiere matarla.La mirada masculina nunca ha estado más armada que en esta escena, y es un testimonio de la sofisticación de Brahm que él entendió, en 1944 no menos, cómo el acto de mirar podría ser un acto de violencia, con el asesinato real que sigue a una ocurrencia tardía. .-CB

48. “Carnaval de las almas” (Herk Harvey, 1962)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Herts Lion / Kobal / REX / Shutterstock (5873153e) Candace Hilligos Carnival Of Souls - 1962 Director: Herk Harney Herts Lion Scene Still Horror

“Carnaval de las almas”

Herts Lion / Kobal / REX / Shutterstock

Una pesadilla despierta que es tan macabra como su título lo indica, el “Carnaval de las almas” de Herk Harvey, un singular tan famoso como “La noche del cazador” y el doble de espeluznante, es un recorrido indeleble a través de una casa de diversión de lo más profundo miedosFilmado por unos miserables $ 33,000 e imbuido de la morbosa inquietud de una película de tabaco redescubierta, este clásico de micro presupuesto protagoniza a Candace Hilligoss como Mary, la única sobreviviente de una carrera de arrastre desafortunada.Dragandose del agua y volviendo a entrar en un mundo que se siente ominosamente ensombrecido por su experiencia cercana a la muerte, Mary se encuentra atrapada en un tramo de la nada estadounidense que es tan inevitable como la Zona Crepuscular, y el doble de oscura.Érase una vez, este era el tipo de película sin nombre con la que podrías toparte a las 2 AM en TCM;el tipo de cosas que sentiste que no deberías estar mirando. Hoy, a pesar de que puede verlo en un Blu-ray de Criterion Collection o transmitirlo en su computadora portátil, la obra maestra desconcertante de Harvey aún conserva hasta la última gota de su poder delirante.-DELAWARE

47. “Ganja y Hess” (Bill Gunn, 1973)

blank

“Ganja y Hess”

tapa de la pantalla

Un tratado original sobre sexo, religión e identidad afroamericana, el clásico alegórico del cineasta iconoclasta Bill Gunn de 1973 subvierte el género de vampiros.El antropólogo Hess Green es apuñalado con una daga ceremonial antigua por su asistente inestable, dotándolo de la bendición de la inmortalidad y la maldición de una sed insaciable de sangre.Cuando la esposa del asistente, Ganja, viene a buscar a su esposo desaparecido, ella y Hess forman una asociación inesperada.Gunn usa el vampirismo como proxy de la adicción, aunque la complejidad de la trama hace que sea casi imposible reducir la película a una simple metáfora.Drásticamente recortado por los distribuidores descontentos con la versión altamente estilizada de Gunn que coquetea con las convenciones de blaxploitation y horror cinema, fue relanzada bajo otros títulos.Y así, durante muchos años, lo que era esencialmente una versión bastarda de la película (reeditada sin la participación de Gunn) fue todo lo que estaba disponible.Cuarenta años después, Kino Lorber hizo felices a los dioses de la película al relanzar la película, restaurada a la visión original de Gunn.-A

46. ​​”Sigue” (David Robert Mitchell, 2014)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Northern Lights / Animal Kingdom / Two Flints / Kobal / REX / Shutterstock (5875978b) Maika Monroe It Follows - 2014 Director: David Robert Mitchell Northern Lights Films / Animal Kingdom / Two Flints USA Scene Still Horror Sigue

“Sigue”

Northern Lights / Animal Kingdom / Two Flints / Kobal / REX / Shutterstock

“¡Está justo detrás de ti!” Es un estribillo de horror común y cursi, pero la lírica visión de la mayoría de edad de David Robert Mitchell le dio una moneda totalmente nueva.Una criatura asesina visible solo para el afligido persigue a su presa con una marcha lenta e implacable hacia adelante, que se manifiesta como sus peores temores;La única solución es tener relaciones sexuales con alguien para transmitir la amenaza.Pero si una persona muere, el monstruo regresa por la línea. Este truco brillante permite que “It Follows” reúna a una serie de adolescentes frenéticos en un intento desesperado por encontrar una solución a su enigma.B, pero el recuento de cadáveres está destinado a aumentar, y la sugestiva narración de Mitchell deja en claro que nada puede rescatarlos por completo de las impactantes transformaciones físicas de la edad adulta.El sexo, que a menudo condena a los personajes de las películas de terror, nunca ha sido una amenaza cinematográfica tan amenazante.-EK

45. “El Proyecto de la Bruja Blair” (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore / REX / Shutterstock (8560198e) Heather Donahue The Blair Witch Project - 1999

“El proyecto de la bruja de Blair”

Moviestore / REX / Shutterstock

Pocas películas han sido tan parodiadas e íntimas en los últimos 20 años como “The Blair Witch Project”;menos aún dan tanto miedo. El ejercicio infinitamente influyente de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez en el horror de las imágenes encontradas se ha debatido acaloradamente desde antes de su estreno: ¿es real o no?– Y sigue polarizándose incluso ahora. Perdido en ese debate es lo aterrador que sigue siendo. Perderse en el bosque nunca ha parecido tan aterrador, especialmente visto a través de un trío de videocámaras granuladas de estudiantes de cine;Myrick y Sánchez maximizaron su presupuesto notoriamente pequeño al hacer que la mayor parte de la acción ocurriera fuera de la pantalla y nos obligaron a completar mentalmente los detalles.El hecho de que introdujo tanto material encontrado como marketing viral para el público en general puede ser una bendición mixta, pero no lo pienses en contra: “The Blair Witch Project” aporta un nuevo significado a la frase “a menudo imitado, nunca duplicado”.-MINNESOTA

44. “La prole” (David Cronenberg, 1979)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de New World / Kobal / REX / Shutterstock (5876874f) Cindy Hinds The Brood - 1979 Director: David Cronenberg New World USA Scene Still Horror Chromosome 3

“La prole”

Nuevo mundo / Kobal / REX / Shutterstock

La gran revelación en la exitosa película del autor canadiense “The Brood” es Samantha Eggar levantando su cortina blanca para mostrarle a Art Hindle los múltiples “bebés” que crecen en su torso, abriendo el saco más grande para lamer la sangre de su recién nacido.Después de “Rabioso” y “Temblores”, “The Brood” marcó la llegada de un cineasta cerebral con ideas repugnantes sobre los peligros de la ciencia, desde axilas con órganos sexuales y parásitos veteados en forma de pene con orejas y bocas entrando y saliendo del cuerpo cavidades, a colmenas psicoplásmicas que se convierten en humanos, nacen de la ira y forman un ejército.Hecho por alrededor de $ 1 millón con un pequeño equipo de siete personas, “The Brood” utilizó una combinación de prótesis analógicas y manipulación inteligente de la luz y la oscuridad en un mundo pre-CGI para crear una amenaza naturalista creíble.Cuando Roger Corman retomó la película en Estados Unidos, los expertos en terror Joe Dante y John Carpenter ayudaron a cortar el tráiler.“Videodrome”, “Scanners” y “The Fly” de Cronenberg llegaron más tarde. -A

43. “Vi el diablo” (Kim Jee-Woon, 2011)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Softbank Ventures / Kobal / REX / Shutterstock (5877165h) I Saw The Devil (2010) I Saw The Devil - 2010 Director: Jee-Woon Kim Softbank Ventures COREA DEL SUR Scene Still Drama J'ai rencontré le Diable

“Vi al diablo”

Softbank Ventures / Kobal / REX / Shutterstock

Un director visualmente astuto con un agudo sentido del humor, Kim juega hábilmente con géneros, desde su sexta película, el loco éxito occidental oriental “The Good, The Bad and the Weird” hasta el thriller de asesinos en serie “I Saw the Devil”, que También está protagonizada por Lee Byung-hun.Esta vez, Lee es un detective de homicidios en la búsqueda de un brillante asesino en serie que golpeó a su esposa embarazada en una secuencia de apertura inquietante.Esta película no es para los aprensivos: Kim lleva la violencia tan lejos como cualquiera lo haya hecho, y te lleva a pasear a través de intrincadas cámaras de rastreo mientras el detective comienza a emular al diablo loco que está persiguiendo.Esta trama de venganza, con todo su gore y maldad, está al servicio del arte. Y también es divertido, ya que el detective y el asesino se involucran en un extraño juego de superación.A pesar de ser golpeada con clasificaciones restrictivas de violencia en Corea, reducir parte de la violencia y limitar los cines donde podía jugar, la película fue un éxito monstruoso.Kim pudo mantener más horror en la versión internacional. -A

42. “Freaks” (Tod Browning, 1932)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de MGM / Kobal / REX / Shutterstock (5879969b) Freaks (1932) Freaks - 1932 Director: Tod Browning MGM USA Scene Still

“Freaks”

MGM / Kobal / REX / Shutterstock

“Uno de nosotros, uno de nosotros!” Tan triste como aterrador, la obra maestra previa al Código de Tod Browning que termina su carrera no es en absoluto la película que esperas que sea.Su título da la impresión de una atracción de exhibición explotadora, y aunque “Freaks” es ciertamente carnavalesco en la forma en que muestra su elenco, incluidos los gemelos unidos, una mujer barbuda y los famosos “cabezas de alfiler”, es en última instancia más notable por la empatía que tiene. los muestra a expensas de los personajes “normales” que los maltratan.Interminablemente controvertido cuando se lanzó por primera vez, con una mujer incluso amenazando con demandar a MGM después de afirmar que la película fue responsable de que ella tuvo un aborto involuntario, desde entonces ha sido reevaluada como el clásico único en su tipo.Mejor tarde que nunca. -MINNESOTA

41. “Posesión” (Andrzej Zulawaki, 1981)

blank

“Posesión”

tapa de la pantalla

La desaparición de un matrimonio a menudo ha prestado peso a algunos de los mejores dramas, pero no es frecuente que sea una película de terror inolvidable.Cuando Anna le revela a su esposo, Mark, que está teniendo una aventura, lo envía al borde de la locura.Aunque está luchando por mantener la calma, Mark contrata a un investigador privado para que siga a Anna, mientras también tiene una aventura con el maestro de su hijo, que podría pasar por el doble de Anna.Escondido dentro de un apartamento en mal estado a mitad de camino en un Berlín devastado por la guerra, Anna se esconde con un amante secreto sacado directamente de las peores pesadillas de HP Lovecraft.Reforzada por una actuación de Isabelle Adjani, que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes después del estreno de la película en 1980, y su inolvidable desglose del metro, “Possession” es una película como ninguna otra, y que aún se las arregla para realmente conmocionó más de treinta años después.-JR

40. “Los otros” (Alejandro Amenábar, 2001)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Teresa Isasi / Miramax / Canal + / Sogecine / Kobal / REX / Shutterstock (5880168b) Nicole Kidman The Others - 2001 Director: Alejandro Amenabar Miramax / Canal + / Sogecine FRANCIA / ESPAÑA / USA Scene Still Horror Les Autres

“Los demás”

Teresa Isasi / Miramax / Canal + / Sogecine / Kobal / REX / Shutterstock

Posiblemente la película de terror gótico más satisfactoria desde “The Innocents”, la delicia nebulosa de Alejandro Amenábar es más que un homenaje amoroso a la historia de fantasmas inmortal de Jack Clayton, también es un clásico de buena fe por derecho propio.Invertiendo alegremente los viejos tropos de género para explorar el tema del dolor de adentro hacia afuera, la película está protagonizada por Nicole Kidman (en uno de sus mejores papeles principales) como una madre acosada que se retira a una mansión embrujada en las Islas del Canal en el secuelas de la Segunda Guerra Mundial.Esperando en vano a que su esposo regrese del campo de batalla y ayude a cuidar a sus hijos fotosensibles, la mujer comienza a desmoronarse.¿Está teniendo un colapso, o es posible que el fantasma de una anciana realmente poseyera a su hija?La verdad solo se revela después de más de 100 minutos de escalofríos ricamente atmosféricos, mientras “The Others” se suma a uno de los grandes giros en la historia del cine.Es un tirón de la alfombra hecho a la perfección, uno que reformula todo lo que vino antes a la luz fría del día, y sugiere que las personas pueden estar tan embrujadas como las casas que llaman hogar.-DELAWARE

39. “Los demonios” (Ken Russell, 1971)

blank

“Los demonios”

Ken Russell abordó la historia en 1971 con “Los demonios”, una adaptación de “Los demonios de Loudon” de Aldous Huxley.La película muestra el relato de la vida real de Urbain Grandier, un sacerdote del siglo XVII acusado de brujería por una monja reprimida sexualmente, la jorobada hermana Jeanne.Russell se sumerge profundamente en la hipocresía religiosa y las imágenes sacrílegas, convirtiendo la historia en infamia y dando a luz sin ayuda al género Nunsploitation.Una de las escenas más divisivas de la película, apodada la “violación de Cristo”, muestra a las monjas de la abadía corriendo desenfrenadas por el éxtasis sexual, convirtiendo la iglesia en un burdel, mientras las orgías estallan, los sacerdotes se masturban en páginas de la Biblia y un grupo de desnudos. Las monjas comienzan a molestar a un crucifijo gigante en el placer orgásmico.Quizás, como era de esperar, “The Devils” fue prohibido, calificado como X y muy censurado en el momento del lanzamiento, y aunque las versiones de la película finalmente están disponibles para ver, el corte del verdadero director nunca se ha lanzado.Aún así, sigue siendo una rumia fascinante sobre la corrupción del poder y el peligro cuando la represión sexual se desvanece en histeria.-JR

38. “Domingo negro” (Mario Bava, 1960)

blank

“Domingo negro”

tapa de la pantalla

En 1960, el maestro de terror italiano Mario Bava catapultó su carrera con “Black Sunday”, una adaptación suelta de la historia corta de Nikolai Gogol “Viy”, que luego se adaptaría a una de las únicas películas de terror jamás realizadas en la Unión Soviética.La película también lanzó la carrera de Barbara Steele, que interpretó a Asa Vajda, una bruja quemada en la hoguera, que regresa de la muerte cientos de años después para vengarse de los descendientes de sus asesinos.El tormento de Asa es palpable y apropiadamente horrible. Ella tiene una máscara de muerte, tachonada con púas, clavada en la cara antes de ser quemada viva.En una de las mejores escenas de la película, cuando Asa vuelve a la vida, la máscara se despega de su rostro, aún conservada después de siglos, pero hinchada con marcas de uñas.Aunque la película es un impresionante ejemplo de horror gótico italiano, fue prohibida en el Reino Unido hasta 1968 debido a su violencia, y algunas de las gore de la película también fueron censuradas en los EE. UU.A pesar de años de censura, “Black Sunday” es maravillosamente atmosférico y de mal humor, con cementerios brumosos y mazmorras que parecen sacadas de algunas de las mejores películas de terror de la década de 1930.Bava pronto pasaría al mundo tecnicolor de gialli, pero “Black Sunday” sigue siendo uno de los mejores.-JR

37. “Hausu” (Obayashi Nobuhiko, 1977)

blank

“Hausu”

tapa de la pantalla

La historia cuenta que el estudio de cine japonés Toho estaba cansado de perder dinero en películas que tenían sentido, por lo que dieron luz verde a “Hausu” de Obayashi Nobuhiko, un guión que podría terminar su carrera y que ningún director interno tocaría, pensando que era hora de perder dinero en una película que no lo hizo.Solo obtuvieron la mitad de lo que negociaron: una historia de fantasmas completamente delirante (y extrañamente alegre) sobre una adolescente llamada Gorgeous (Ikegami Kimiko) que lleva a un grupo de amigos a la casa embrujada de su tía, la obra maestra de Obayashi es un desfile funerario demente de delicias fantasmagóricas.Un colchón asesino, un piano carnívoro y un gato demoníaco son solo la punta del iceberg de una película salvaje, súper divertida y desarmadoramente juguetona en la que incluso los momentos más pequeños se tocan con locura.Una joya olvidada hasta que la Colección Criterion rescató la película de la oscuridad y la convirtió en un fenómeno de culto, “Hausu” puede no tener sentido, pero fue un éxito en su propio tiempo, y aún más grande en el nuestro.-DELAWARE

36. “No mires ahora” (Nicolas Roeg, 1973)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Casey Prods-Eldorado / Kobal / REX / Shutterstock (5869897c) Julie Christie, Donald Sutherland No mires ahora - 1973 Director: Nicolas Roeg Casey Prods-Eldorado Films BRETAÑA Escena Todavía Daphne Du Maurier Misterio / suspenso Ne vous retournez pas

“No mires ahora”

Casey Prods-Eldorado / Kobal / REX / Shutterstock

¿Por qué hay tantas películas de terror sobre el proceso de duelo? Es una gran pregunta, pero “No mires ahora” es una respuesta tan completa como es probable que encuentres.Por un lado, la obra maestra de Nicolas Roeg, un retrato fragmentado e inquebrantable de dos padres (Donald Sutherland y Julie Christie) en luto por la muerte de su pequeña hija, ha inspirado un millón de películas menores para explorar el mismo terreno.Por otro lado, esta mórbida adaptación de Daphne du Maurier complica la psicología hitchcockiana con el surrealismo inspirado en Borges para ilustrar cómo el lenguaje de género puede aprovechar el trauma más directamente de lo que los dramas estándar podrían permitir.Espeluznantes hermanas gemelas, visiones espectrales, la oscuridad de los canales venecianos, una escena de sexo infame y la revelación más inquietante de todo el cine se combinan para articular la locura aislante que sigue a la pérdida y las consecuencias que se derivan de rendirse a ella.-DELAWARE

35. “Plaza de la resaca” (John Brahm, 1945)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5876652c) Michael Dyne, Linda Darnell, Laird Cregar Hangover Square - 1945 Director: John Brahm 20th Century Fox USA Scene Still

“Plaza de la resaca”

20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock

Mira casi cualquier actuación de Laird Cregar e instantáneamente te convertirás en un fanático.Uno de los mejores actores de principios de la década de 1940, estaba preparado para tener la carrera de películas de terror que Vincent Price tuvo hasta que llegó la tragedia: más de 300 libras durante la mayor parte de su edad adulta, y por lo tanto limitado a los roles de personajes en Hollywood, quería ser un hombre destacadoPor lo tanto, a través de una dieta extrema y ejercicio, perdió 100 libras en menos de un año, lo que tensó tanto su corazón que murió a los 31 años antes de que se estrenara su última película: “Hangover Square”.Y es una obra maestra. Cregar interpreta a un pianista sensible que sufre de sonambulismo y, al hacerlo, mata a las mujeres.Cuando se despierta, no tiene ningún recuerdo de los asesinatos. ¿Puede ser considerado responsable de los asesinatos ya que está literalmente inconsciente al cometerlos?Pero, todavía los está cometiendo. Aprovecha un miedo profundo de que no importa cuán buena persona creemos que podemos ser, puede haber algún lado oscuro horrible esperando a salir.-CB

34. “La columna vertebral del diablo” (Guillermo del Toro, 2001)

"La columna vertebral del diablo"

“La columna vertebral del diablo”

Moviestore / REX / Shutterstock

La magia de la realización cinematográfica de Guillermo Del Toro es su capacidad de mezclar terror y asombro de una manera que aumenta ambas emociones sin sentirse trillado.Ambientada durante la Guerra Civil española (fue filmada en España y respaldada por Pedro Almodóvar), esta historia de fantasmas se cuenta desde la perspectiva de Carlos (Fernando Tielve), un niño de 12 años que acaba de llegar a un siniestro orfanato. después de que mataron a su padre en la guerra.Carlos, atormentado por visiones de una misteriosa aparición, trata de descifrar el misterio de lo que sucedió la noche en que una bomba golpeó el patio del orfanato (pero extrañamente no explotó) y un niño (que ahora ronda la casa) fue asesinado.La película es más inquietantemente espeluznante que aterradora al borde de su asiento, revelando que el verdadero horror es ser un niño durante la guerra.Del Toro ha llamado “Backbone” su película más personal. -CO

33. “Grito” (Wes Craven, 1996)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Miramax / Kobal / REX / Shutterstock (5885613f) Drew Barrymore Scream - 1996 Director: Wes Craven Miramax USA Scene Still

“Gritar”

Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Un maestro del terror por derecho propio, la decisión de Wes Craven de enviar el mismo género que lo convirtió en un nombre familiar podría haber sido un desastre desordenado y tonto; en cambio, hizo “Scream”, que es muy divertido y muy aterrador, y funciona bien como una película de corte, incluso cuando desempaca la tarifa típica de corte.El largometraje protagonizado por Neve Campbell primero satiriza las películas de terror en general, luego las películas slasher en particular, ya que la pequeña ciudad de Woodsboro, California, es tomada como rehén por un asesino enmascarado sin motivos claros, más allá de cortar y cortar a los adolescentes de maneras cada vez más divertidas.Pero si bien ese concepto se convertiría en una nueva franquicia en forma de “Scary Movie” (hecho divertido: “Scream” se tituló originalmente “Scary Movie”), Craven agregó un giro especial: ¿y si todo esto pudiera ser miedo también?Finalmente, la película se revela como una salida de horror realmente espantosa y seriamente inteligente que aún no rehuye hacer agujeros en el género.Y haciendo agujeros en muchos adolescentes también. -KE

32. “Near Dark” (Kathryn Bigelow, 1987)

Lance Henriksen en "Near Dark"

Lance Henriksen en “Near Dark”

FM / Deg / Kobal / REX / Shutterstock

Kathryn Bigelow no pudo obtener su revisionista occidental financiado, por lo que montó la ola de vampiros de la década de 1980 para hacer este género único híbrido.Una película hermosa, sangrienta y (románticamente) pegajosa ambientada en una pequeña ciudad del medio oeste, “Near Dark” es una complicada historia de amor sobre un vampiro Mae (Jenny Wright) y Caleb (Adrian Pasdar), el chico del que se enamora y muerde una tarde muy agitada, pero cuya esencia resulta ser no violenta, haciendo que ella se enamore de él mucho más.La tribu nómada de vampiros de Bigelow, sin embargo, es violenta y el director trae la brutalidad visceral en una escena de bar que es todo menos romántica.Todo esto culminó con uno de esos puntajes de Tangerine Dream con inflexión de los años 80 que transporta al público a un espacio superior completamente diferente.Para aquellos que desean que Bigelow nunca haya dejado el género por el prestigio, esta película es un recordatorio de cuán densas fueron sus películas “menos serias” desde el principio.-CO

31. “El gabinete del Dr. Caligari” (Robert Wiene, 1920)

blank

“El gabinete del Dr. Caligari”

tapa de la pantalla

Poniendo la expresión en el expresionismo alemán, este silencio seminal de terror se ha mantenido como un logro definitivo en la narración espeluznante al crear un mundo de pesadilla donde nada es seguro.Mientras el sonámbulo Cesare (Conrad Veidt) comete una serie de asesinatos a instancias del hipnotizador titular (Werner Krauss), el director Robert Wiene establece el drama en los confines de un entorno laberíntico que hace que el revés se vea francamente hogareño.Los edificios sombríos se ciernen en el fondo en ángulos incómodos y las carreteras se desvían en direcciones vertiginosas.Los techos a menudo parecen acercarse a estos personajes frenéticos, y, con el brillante giro de la trama del acto final, eso es esencialmente lo que hacen.Contada dentro de los límites de un flashback, la película se presenta como la historia de un joven (Friedrich Feher) cuyo mundo se desmorona cuando se da cuenta del malvado plan del médico;con el tiempo, sin embargo, está claro que este narrador poco confiable puede ser víctima de su propia confusión, y el brillo de “El gabinete del Dr. Caligari” es que nos coloca justo en el centro de su locura.Casi un siglo después, el giro final sigue siendo una sorpresa para los nuevos públicos.-EK

30. “El hombre de mimbre” (Robin Hardy, 1973)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore / REX / Shutterstock (1631998d) The Wicker Man (1973) Ingrid Pitt The Wicker Man -1973

“El hombre de mimbre”

Moviestore / REX / Shutterstock

“Los golpes se absorben mucho mejor con las rodillas dobladas”, dice el Señor de Summerisle en el clásico loco de Robin Hardy.¿Y quién, preguntas, es el Señor de Summerisle? No decir. Incluso más que la mayoría de las películas de terror , “The Wicker Man” exige ser visto con el menor conocimiento previo posible: las historias sobre policías que llegan a pequeñas islas para investigar la desaparición de una niña rara vez terminan bien, pero hay pocos preparativos para esta.La nueva versión de 2006 fue lamentable, aparte de la actuación de Nicolas Cage, que fue agradablemente extraña, pero el original sigue siendo una visita obligada por la forma en que continuamente subvierte sus expectativas.-MINNESOTA

29. “Los inocentes” (Jack Clayton, 1961)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5883967o) Deborah Kerr, Martin Stephens The Innocents - 1961 Director: Jack Clayton 20th Century Fox BRETAÑA Escena todavía Henry James Horror Les Innocents

“Los inocentes”

20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock

¿Alguna vez vuelven a poseer a los vivos? Esa es la pregunta que se hace en el tráiler hilarantemente engañoso de la desconcertante adaptación de Jack Clayton de “The Turn of the Screw”, que protagoniza la realeza de la pantalla Deborah Kerr como una joven institutriz contratada para cuidar a dos niños en una finca rural.La casa es grande pero claustrofóbica, los niños son tan desagradables como querubínicos;seguramente puede saber a dónde va esto si alguna vez ha visto una película de la casa encantada, pero tenga la seguridad de que nunca ha visto una como “The Innocents”.Un verdadero ejercicio de menos es más horror, el guión, adaptado de la novela de Henry James de Truman Capote y William Archibald, privilegia breves destellos y sonidos difíciles de ubicar sobre cualquier cosa abierta.En cuanto a la pregunta planteada por el trailer, no es un spoiler decir que sí, vuelven a poseer la vida.-MINNESOTA

28. “Pulse” (Kiyoshi Kurosawa, 2001)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Toho / Magnolia / Kobal / REX / Shutterstock (5872468d) Kumiko Aso Pulse - 2001 Director: Kiyoshi Kurosawa Toho / Magnolia JAPAN Scene Still Kairo

“Legumbres”

Toho / Magnolia / Kobal / REX / Shutterstock

Las películas sobre cómo vivimos con (y en) Internet no eran tan comunes en 2001 como lo son ahora, pero pocas han causado una impresión tan duradera como “Pulse”.La mejor película de Kiyoshi Kurosawa es aterradora no solo por sus fantasmas sino también por sus ideas: las ideas no se pueden exorcizar.Los espíritus de otro mundo son similares a un virus informático en la película, que vira lentamente hacia el apocalíptico a medida que los vivos se desvanecen y los fantasmas toman su lugar para decir cosas como “la muerte fue la soledad eterna”;Al igual que con un gran horror, “Pulse” trasciende sus raíces de género para convertirse en algo más.También es como un virus informático en ese sentido: crece y cambia a un ritmo casi imperceptible, y te afecta de una manera que nunca hubieras podido anticipar.-MINNESOTA

27. “The Omen” (Richard Donner, 1976)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5883213o) Lee Remick The Omen - 1976 Director: Richard Donner 20th Century Fox EE.UU. Escena Todavía horror La Malédiction

“El presagio”

20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock

La primera entrega de la trilogía “The Omen” sigue siendo una de las películas más espeluznantes de todos los tiempos.Cuenta la historia de un joven “inocente” que, sin saberlo él mismo y todos los que lo rodean, incluidos su padre diplomático y su esposa, podría ser el Anticristo.Prefiere el estado de ánimo y la atmósfera a la conmoción y el asombro, y se jacta de algunas escenas realmente escalofriantes, incluidas secuencias de muerte espeluznantes, por ahorcamiento, decapitación y empalamiento, y una partitura ganadora del Oscar, famosa y premonitoria (dirigida por su canción principal “Ave Satani”, compuesta por Jerry Goldsmith): la película presenta un escenario que sería la peor pesadilla de cualquier padre.“The Omen”, ayudado por un elenco sólido dirigido por un destacado Gregory Peck, trata su tema con seriedad, lo que se suma a su credibilidad.El pálido Harvey Stephens como el niño demonio es lo suficientemente siniestro. La película generó dos secuelas y una nueva versión de 2006 que debería evitarse, al menos no sin ver el original primero.-A

26. “La novia de Frankenstein” (James Whale, 1935)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Universal / Kobal / REX / Shutterstock (5885965bg) Boris Karloff, Colin Clive, Ernest ThesigerFrankenstein - Bride Of - 1935Director: James WhaleUniversalUSAScene StillLa Fiancée de Frankenstein

“La novia de Frankenstein”

Universal / Kobal / REX / Shutterstock

“La ciencia, como el amor, tiene sus pequeñas sorpresas …” El monstruo de Frankenstein es una abstracción, un lienzo en blanco sobre el cual los espectadores pueden proyectar casi cualquier cosa que quieran, es decir, y más obviamente, la propensión del hombre a la violencia y una tendencia a rechazar violentamente lo que refleja nuestras peores cualidades en nosotros.La gente del pueblo en “Frankenstein” y su secuela superior se vuelven feos a primera vista de este abismo en particular, sin siquiera tomarse el tiempo para mirarlo realmente;aquí, la Novia parecería representar una oportunidad bienvenida para la compañía a pesar de no aparecer realmente hasta los últimos minutos y, por lo tanto, nunca cumplir ese papel.Casi nadie obtiene sus desiertos en “La novia de Frankenstein”, que es parte de por qué es más notable unos 80 años más tarde por su capacidad de evocar lástima que por los pocos sustos que aún produce.Ciertamente, alguien pertenece muerto, pero no estoy seguro de que sean ellos. -MINNESOTA

25. “Suspiria” (Dario Argento, 1977)

"Suspiria" (1977)

“Suspiria”

Shutterstock

Después de perfeccionar el giallo con “Deep Red” de 1975, Dario Argento abordó lo sobrenatural con “Suspiria”, la primera entrega de su Trilogía de las Tres Madres.La estudiante de ballet estadounidense Suzy consigue un lugar en una prestigiosa academia de baile en Alemania, pero la escuela es el hogar de un antiguo mal que Suzy debe encontrar y destruir antes de devorarla.Con la excepción de su película de seguimiento, “Inferno” de 1980, Argento nunca ha hecho algo tan asombroso como “Suspiria”.Resplandeciente con piezas decorativas llamativas y deslumbrantes toques de rojo, azul y verde, “Suspiria” contrarresta las escenas de muerte absolutamente brutales e icónicas de la película con verdadera belleza.Es casi imposible hacer justicia a “Suspiria” con palabras; Es una pieza de cine que realmente debe ser experimentada, y tal vez por eso Luca Guadagnino no se atrevió a rehacer la película, sino que trató de transmitir cómo la versión de Argento lo hizo sentir en su toma de 2018.-JR

24. “Los pájaros” (Alfred Hitchcock, 1963)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Universal / Kobal / REX / Shutterstock (5885545t) Tippi Hedren The Birds - 1963 Director: Alfred Hitchcock Escena universal de EE. UU. Todavía Daphne Du Maurier Horror Les Oiseaux

“Las aves”

Universal / Kobal / REX / Shutterstock

Por un lado, es la única película de Hitchcock que implica que su final es el fin del mundo: una lectura reforzada por el arte conceptual original de Robert Boyle que muestra el Puente Golden Gate cubierto de pájaros, incluso San Francisco perdió ante nuestros nuevos señores aviares.Por otro lado, es una expresión tan pura como cualquier otra que se haya filmado sobre cuánto damos por sentado la normalidad.Nos vamos, todo parece estar bien. Puede ser un miembro de la alta sociedad de San Francisco (Tippy Hedrin) que busca hacerle una broma elaborada a un presumido ciudadano de Bodega Bay (Rod Taylor).Y de repente, un desastre sorprendente golpea, en este caso, como dice uno de los personajes, “la guerra de los pájaros”, y su vida puede cambiar para siempre, sin regresar, decir adiós a la normalidad.Todas nuestras vidas se viven al borde de una navaja de afeitar, pero en general elegimos no pensar en ello.La segunda mitad de la película de Hitchcock es casi perfecta, incluyendo una escena deslumbrante ambientada en un restaurante en el que la gente del pueblo aporta diferentes puntos de vista sobre cómo lidiar con la crisis: ahí está el evangelista que cita las Escrituras para dar sentido a lo que está sucediendo. sucediendo;el científico que piensa que la razón tiene la respuesta; el borracho de paso que piensa que la matanza total es la solución; El teórico de la conspiración que decide culpar al personaje de Hedrin: “¡Creo que eres malvado!Eviiiiillll !!! “ La pregunta más aterradora es: ¿Alguno de nosotros manejaría mejor el fin? -CB

23. “Caminé con un zombi” (Jacques Tourneur, 1943)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de RKO / Kobal / REX / Shutterstock (5878481b) Christine Gordon, Frances Dee, Darby Jones I Walked With A Zombie - 1943 Director: Jacques Tourneur RKO USA Scene Still Vaudou

“Camine con un zombie”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

¿Crees las mentiras que dices? La magistral película del productor Val Lewton dice que cuando finalmente crees en tus propias mentiras, bueno, cualquier cosa puede pasar.En esta de las películas clásicas más filosóficas de Hollywood, una joven enfermera (Frances Dee) viaja a la isla caribeña de San Sebastián para cuidar a la esposa de un adinerado plantador (Tom Conroy).Puede caminar y mirar quejumbrosamente en la distancia, pero de ninguna otra manera parece estar consciente.La comunidad afro-caribeña cree que es una “zombie”, según la tradición del vudú: fue maldecida porque tuvo una aventura con el hermano de su esposo.Y la enfermera llega a creer eso también. Lo que sigue es una de las primeras miradas de Hollywood sobre lo que sucede cuando los blancos intentan cooptar la cultura negra.Una sensación de profunda melancolía inunda “I Walked With a Zombie”, la melancolía de los colonizados: “Es por eso que todavía lloran cuando nace un niño y se divierten en un entierro”.-CB

22. “Repulsión” (Roman Polanski, 1965)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Compton-Tekli / Royal / Kobal / REX / Shutterstock (5883691i) Catherine Deneuve Repulsion - 1965 Director: Roman Polanski Compton-Tekli / Royal BRITAIN Scene Still Répulsion

“Repulsión”

Compton-Tekli / Royal / Kobal / REX / Shutterstock

El retrato de Roman Polanski de una mujer introvertida (Catherine Deneuve) que pierde la razón mientras se queda sola en su apartamento es un retrato inquietante de una mujer maltratada y alienada cuyas experiencias de asalto y soledad la llevan al borde de la locura.La inquietante actuación de Deneuve encuentra a la pobre mujer belga soportando una serie de dificultades: viviendo en lugares cercanos con su promiscua hermana, luego atrapada en su casa, donde sufre asaltos horribles, reales e imaginarios, hasta que finalmente arremete, con consecuencias sangrientas y devastadoras.La gran cantidad de cuentos en blanco y negro de Polanski mantiene la tensión alta en todo momento;no hay gran revelación o giro inesperado, pero esta mirada magistral a las fallas del desequilibrio de género se adelantó a su tiempo de muchas maneras.El propio Polanski puede ser un nombre empañado, pero “Repulsión” solo se ha vuelto más valioso con la edad: resalta los horrores del abuso al demostrar que incluso los incidentes aislados pueden tener terribles impactos a largo plazo, y escapar no es una opción cuando el horror persiste en la mente.-EK

21. “Carrie” (Brian De Palma, 1976)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de United Artists / Kobal / REX / Shutterstock (5885454ap) Sissy Spacek, Piper Laurie Carrie - 1976 Director: Brian De Palma United Artists USA Scene Still Stephen King Horror Carrie ou le bal du diable

“Carrie”

Artistas Unidos / Kobal / REX / Shutterstock

Su noche de graduación puede haber sido mala, pero no fue mala para “Carrie”. Sissy Spacek es una de las pocas intérpretes en ganar un guiño al Oscar por protagonizar una película de terror, y con una buena razón: su giro escalofriante es la razón principal por la cual la adaptación asesina de Brian De Palma de la novela de Stephen King se considera una saga de venganza justificada en lugar de algo aún más oscuroLa sangre de cerdo y la telequinesis siguen siendo sus elementos más llamativos, ninguno de los cuales equivaldría a mucho si “Carrie” no fuera tan devastadora en su descripción de una adolescencia especialmente traumática.De Palma estuvo en llamas durante este período: “Sisters”, “Blow Out” y “Dressed to Kill” se hicieron a los cinco años de “Carrie”, pero esta película de terror sobrenatural sigue siendo su mayor logro.-MINNESOTA

20. “La mosca” (David Cronenberg, 1986)

No hay comercialización. Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5883298g) Jeff Goldblum The Fly - 1986 Director: David Cronenberg Fox del siglo XX EE. UU. Todavía escena Familia La Mouche

Jeff Goldblum en “La mosca”

Fox / Kobal / REX / Shutterstock

David Cronenberg se divierte con el género de mediados de siglo, le inyecta sangre horrible y un punto de vista verdaderamente distorsionado, y de alguna manera todavía hace una película tan buena que se convirtió en un éxito general.Jeff Goldblum interpreta a un científico que prueba su avance de teletransportación en sí mismo y se convierte en un tábano.A través de increíbles efectos prácticos, la película muy gráfica es el pico de la exploración de Cronenberg de lo que se conoció como ” horror corporal”, ya que la película medita sobre la enfermedad y el envejecimiento de maneras tan inquietantes como los temas mismos.Mientras que la película supera los límites, debajo hay una película de monstruos convencional que nos posiciona para buscar y encontrar al humano enterrado bajo el horror.-CO

19. “Salir” (Jordan Peele, 2017)

blank

“Sal”

Justin Lubin

El guionista y director Jordan Peele se catapultó más allá de sus raíces de comedia de esbozo para un trabajo de categoría sobre la raza y el privilegio en la sociedad estadounidense con el que los cinéfilos nunca habían luchado realmente antes.La premisa escandalosa (ricos blancos liberales que lavan el cerebro de los negros para ser sus esclavos mentales) encuentra su coincidencia en los fundamentos legítimos de un thriller psicológico, así como en el retrato sobrio de un hombre negro que lucha con un pasado problemático y un presente incierto.Sus aspectos más espeluznantes se te acercan sigilosamente: las observaciones de la película sobre las incómodas relaciones raciales son divertidas porque son ciertas (incluso cuando la trama toma sus vueltas más salvajes) y aterradoras por las mismas razones, a menudo dejando a los espectadores inseguros de si deberían reírse o contemplar la situación. implicaciones más aterradoras de los punchlines.Ese es el zeitgeist en pocas palabras. Cualquier libro de historia sobre el estado de ánimo estadounidense en 2017 seguirá para siempre las señales de “Get Out”.-EK

18. “El silencio de los corderos” (Jonathan Demme, 1991)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Ken Regan / Orion / Kobal / REX / Shutterstock (5885695l) Anthony Hopkins El silencio de los corderos - 1991 Director: Jonathan Demme Orion Pictures USA Escena de suspenso Le Silence des agneaux

“El silencio de los corderos”

Ken Regan / Orion / Kobal / REX / Shutterstock

Hannibal Lecter ya era una cantidad cultural conocida cuando Jonathan Demme se unió para dirigir la segunda película que presentaba la creación asesina de Thomas Harris, pero el emparejamiento astuto de Anthony Hopkins como el asesino en serie y Jodie Foster como el agente del FBI de ojos brillantes en su la cola lo convirtió en nada menos que una piedra de toque cultural.Ayudado por frases escalofriantes (seguramente, el caldo de frijol fava cayó después del estreno de la película, ¿verdad?) Y un cuadro de trapos de prisión (además de una máscara facial de carne humana), Hopkins vertió su prodigioso talento en cada centímetro del marco escalofriante de Lecter.Nunca está del todo claro lo que está pensando, y aunque Demme equipa su película con suficientes elementos para mantenerla funcionando, desde el turno de Foster hasta Buffalo Bill haciendo lo suyo con cuerpos completos literales, siempre está claro que él es el uno tirando de cada cuerda.La película sería lo suficientemente formidable si fuera solo otro thriller asesino en serie, pero Demme, Hopkins y Foster la empujan a profundizar en cada momento, y finalmente descubren que el verdadero terror no siempre tiene una razón, pero tiene un sabor .-KE

17. “Nosferatu” (FW Murnau, 1922)

"Nosferatu"

“Nosferatu”

Moviestore / REX / Shutterstock

En muchos sentidos, “Nosferatu” es el “Ciudadano Kane” del horror. La herencia de Bram Stoker intentó, con bastante éxito, enterrar la película, ganando un caso de derechos de autor que exigía la destrucción de todas las impresiones y la bancarrota del estudio (Prana) que produjo la película.Sin embargo, la adaptación no autorizada de “Drácula” de FW Murnau fue una revisión imaginativa de la historia de vampiros que ayudó a definir el género y fue tan técnicamente impresionante que lanzó una de las carreras de dirección más famosas e influyentes de la historia del cine.Sin embargo, más que nada, es la inimitable actuación de Max Schreck como Conde Orlok lo que hace un siglo hace que esta película sea una maravilla.-CO

16. “Mandíbulas” (Steven Spielberg, 1975)

Solo para uso editorial. Sin uso de portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Universal / Kobal / REX / Shutterstock (5886241bx) Susan Backlinie Jaws - 1975 Director: Steven Spielberg Escena universal de EE. UU. Todavía Les Dents de la mer

“Mandíbulas”

Universal / Kobal / REX / Shutterstock

Los humanos piensan que han conquistado el planeta. La humanidad reina tan completamente suprema que la gente se sorprende cuando la naturaleza muestra sus dientes y muestra quién está realmente a cargo.Ese es el horror subyacente de lo que de otro modo sería un riff de Melville de finales del siglo XX en el éxito de taquilla de Steven Spielberg.Y a veces, cuando un desastre inminente relacionado con la naturaleza lo está mirando a la cara, es más conveniente políticamente, como el alcalde de Amity (Murray Hamilton) encuentra, simplemente negar que haya algún peligro presente.Como he escrito aquí antes, “Jaws” es una película del Destino Manifiesto , sobre el impulso particularmente estadounidense de habitar todos los espacios que deseamos habitar, si las personas simplemente se quedan fuera del agua, o en su lugar optan por nadar en las piscinas de Amity, No tendría historia.-CB

15. “Gente del gato” (Jacques Tourneur, 1942)

Simone Simon y Kent Smith en "Cat People"

Simone Simon y Kent Smith en “Cat People”

RKO / Kobal / REX / Shutterstock

Las películas del productor Val Lewton trataban de crear horror de películas B de bajo presupuesto con cine, y Jacques Tourneur fue su mejor practicante, agregando una capa de estilo evocador que pocas imágenes A del día podrían igualar.“Cat People” de Tourneur usa la cámara y el sonido para crear la presencia de una fuerza sobrenatural sin siquiera mostrarlo.Tome este ejemplo de la escena de la piscina y cómo su sentido de una ominosa presencia al acecho se construye con encuadre, subjetividad y edición.Luego, al igual que con su clásico negro “Out of the Past”, Tourneur emplea una cinematografía que toma una atmósfera inquietante y sexualmente cargada que trae la premisa inusual de la película: una mujer serbia (Simone Simon) que está convencida de que desciende de los gatos y se transforma en una cuando se excita o enoja – a la vida.-CO

14. “28 días después” (Danny Boyle, 2002)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Peter Mountain / Dna / 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5884575ae) Brendan Gleeson, Cillian Murphy, Naomie Harris 28 días después - 2002 Director: Danny Boyle Dna Films / 20th Century Fox UK Scene Still Horror 28 Jours más tarde

“28 días después”

Peter Mountain / ADN / 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock

La visión visionaria dinámica de Danny Boyle sobre el terror zombie es absolutamente aterradora.Ambientada 28 días después de que una epidemia viral asole a Gran Bretaña, la película sigue a los sobrevivientes que luchan por dar sentido a las consecuencias, mientras buscan seguridad.Más allá de las típicas emociones de zombis y hacia algo aún más horrible: como mecanismo de supervivencia, los seres humanos se ven obligados a perder su humanidad, la película presenta una representación apasionante de un país totalmente paralizado por una nueva enfermedad misteriosa.La enfermedad horriblemente virulenta e incurable deja a sus anfitriones en un estado de agresión permanente y atroz, lleno de ira increíble.La película cuestiona si este tipo de furia cegadora y violenta es algo que ya existe dentro de nosotros, y el virus simplemente lo revela.La decisión de Boyle de filmar la película en cámaras de video digitales de calidad para el consumidor le da a la película una gran efectividad y un realismo necesario, aunque no está exenta de momentos de belleza surrealista.Lo que quizás da más miedo de “28 días después” es que el escenario que presenta no es nada realista.-A

13. “Audición” (Takashi Miike, 1999)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Omega / Kobal / REX / Shutterstock (5872202b) Eihi Shiina Audition / Odishon - 1999 Director: Takashi Miike Omega JAPAN Scene Still

“Audición”

Omega / Kobal / REX / Shutterstock

Kiri, kiri, kiri. O estas palabras te persiguen o nunca las has escuchado, no hay mucho en el medio.Takashi Miike lanzó recientemente su película número 100, aunque es poco probable que alguna de sus 98 obras pueda alcanzar el mismo prestigio que “Audition”.Una adaptación de la novela del mismo nombre de Ryū Murakami, comienza y termina de maneras tan profundamente diferentes que cualquiera que mire sin conocimiento previo de su trama ni siquiera sabrá que es una película de terror durante mucho tiempo.(La premisa un tanto engañosa involucra a un viudo que realiza audiciones para una nueva esposa). Para cuando te das cuenta de lo que realmente está funcionando, es demasiado tarde para regresar, no solo porque es tan inmersivo, sino porque es tan difícil alejarse de como la mujer fatal en su centro.-MINNESOTA

12. “El amanecer de los muertos” (George A. Romero, 1978)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore / REX / Shutterstock (1540077a) Dawn of the Dead (Zombie) Film and Television

“Amanecer de los muertos”

Moviestore / REX / Shutterstock

El genio particular de George A. Romero fue familiarizar a su audiencia con espacios familiares haciéndolos parecer extraños.“Dawn of the Dead” está ambientada en un centro comercial de Monroeville, Pensilvania, donde varios sobrevivientes del apocalipsis zombi se han atrincherado de las hordas de muertos vivientes.Por supuesto, primero se requiere una matanza masiva de los zombis que aún están dentro; una explosión de violencia es un preludio necesario para cualquier borrachera consumista.Pero una vez que nuestros sobrevivientes han terminado su purga, se vuelven un poco locos: es como vivir en este centro comercial y tener que correr es tan bueno como vivir en el paraíso.Se vuelven locos jugando juegos de arcade, abasteciéndose de las reservas aparentemente sin fondo de alimentos y dulces del centro comercial: ¿a quién le importa si esas reservas son realmente finitas o si nadie puede salir nunca más?No puede durar, por supuesto. El fin del mundo rara vez ha sido menos una tragedia y más una farsa. -CB

11. “Deep Red” (Dario Argento, 1975)

blank

“Color rojo oscuro”

tapa de la pantalla

Dario Argento no creó el género giallo, ese honor es para Mario Bava, pero lo perfeccionó con “Deep Red” de 1975, a menudo referido como el mejor giallo de todos los tiempos.La película comienza con un psíquico que siente los pensamientos oscuros de un asesino en la audiencia, uno que luego ataca y la mata.David Hemmings interpreta a un pianista que presencia el asesinato, lo que lo lleva a un oscuro misterio que pone en riesgo su vida.Argento emplea muchos de los oficios característicos del género, un asesino con guantes negros y cuchillo;deliciosamente sobre las mejores secuencias de muerte; giros, vueltas y falsas revelaciones; y una historia de fondo maravillosamente deformada que finalmente revela la identidad del asesino.Argento pronto obtendría reconocimiento internacional con “Suspiria” de 1977, pero “Deep Red” sigue siendo un emocionante misterio de asesinato y el mejor de Argento.-JR

10. “La noche de los muertos vivientes” (George Romero, 1968)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Image Ten / Kobal / REX / Shutterstock (5881773o) Night of the Living Dead (1968) Night of The Living Dead - 1968 Director: George A. Romero Imagen Ten USA Scene Still La Nuit des morts-vivants (1968)

“Noche de los muertos vivientes”

Imagen diez / Kobal / REX / Shutterstock

La película en blanco y negro subversiva independiente de George Romero es un clásico del horror y la tradición zombie, inventando casi por sí solo al zombie moderno.Hechos para el maní, los efectos especiales son simples y escasos, y los actores no son profesionales: la determinación de la película funciona a su favor, dándole un realismo crudo que es aún más inquietante.Romero ha dicho que el papel de Ben no fue escrito para un actor negro, y que cualquier comentario racial percibido en la película fue una coincidencia.Sin embargo, uno no puede ignorar el simbolismo en el casting de Duane Jones, en ese momento, un papel heroico muy raro para un actor negro en una película rodeada de actores blancos, en el contexto de una América cargada de raza que sufre un cambio social significativo, como resultado del movimiento de derechos civiles.La carrera nunca es un tema hablado en la película, pero la elección del elenco de Romero lo abrió a varias interpretaciones y análisis, especialmente su final increíblemente sombrío e inolvidable.La película generó varias secuelas y remakes, especialmente un reinicio de 1990 que protagonizó Tony Todd interpretando el papel de Ben.-A

9. “Alien” (Ridley Scott, 1979)

No hay comercialización. Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de 20th Century Fox / Kobal / REX / Shutterstock (5886256cb) Sigourney WeaverAlien - 1979Director: Ridley Scott20th Century FoxBRITAINScene StillAlien, le huitième passager

Sigourney Weaver en “Alien”

Fox / Kobal / REX / Shutterstock

Puedes sobrevivir a “Alien”, pero nunca puedes escapar de él, y no solo porque Ridley Scott probablemente nunca dejará de hacer secuelas y / o precuelas.“Alien” se ha alejado tanto de sus orígenes desde su violento nacimiento hace casi 40 años que puede ser difícil recordar cuán aterradora es la película original, así que aquí hay un recordatorio: USCSS Nostromo y su equipo se despiertan temprano del hipersueño después de recibir un señal de socorro.John Hurt conoce a una criatura no tan amigable llamada facehugger. Dicha criatura da a luz a algo aún peor que mata a todos a bordo del Nostromo que no se llama Ellen Ripley.En el espacio nadie puede oírte gritar, pero los que estamos en la tierra no somos tan afortunados.-MINNESOTA

8. “La cosa” (John Carpenter, 1982)

La cosa - 1982

“La cosa”

Universal / Kobal / REX / Shutterstock

John Carpenter crea paranoia, miedo y aislamiento en “The Thing” con una intensidad que pocos cineastas han igualado.Cuando los investigadores antárticos se cruzan con una forma de vida alienígena con la capacidad de imitar otras formas de vida, la desconfianza y el terror se construyen disparando hasta que explota.Los efectos prácticos y el diseño de la criatura son algunos de los mejores en la historia del cine.Una película que te agarra por el cuello y no te suelta. -CO

7. “Ojos sin rostro” (Georges Franju, 1960)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Champs-Elysses / Lux / Kobal / REX / Shutterstock (5874537a) Edith Scob Eyes sin rostro / Les Yeux Sans Visage - 1960 Director: Georges Franju Champs-Elysses / Lux FRANCE / ITALY Scene Todavía la cámara de terror del Dr. Fausto Les Yeux sin rostro

“Ojos sin cara”

Campos Elíseos / Lux / Kobal / REX / Shutterstock

Los cuentos de hadas a menudo pueden aprovechar los mismos miedos primarios que las películas de terror: miedo al rechazo, soledad, envejecimiento, pérdida de belleza.En el relato de Georges Franju de un cirujano plástico, un padre obsesionado con salvar la apariencia de su hija (su rostro quedó desfigurado en un accidente), “Eyes Without a Face” es una película de terror en forma de cuento de hadas retorcido, hasta el más mínimo detalle. -como el puntaje de Maurice Jarre.La única solución del padre es un trasplante de cara: lo que significa matar mujeres para que pueda robarles la cara.Pero el cuerpo de su hija inevitablemente rechaza los injertos de piel. Aquí hay mucho trabajo: la idea de que una pérdida de belleza es lo mismo que la muerte misma (el padre ha celebrado un funeral para su hija y la mantiene escondida del mundo) y vale la pena matar a esa belleza (con laboratorio la asistente Alida Valli como el arquetipo de “cazador” en esta historia de Blancanieves, saliendo y secuestrando a mujeres jóvenes).“Ojos sin rostro” dice que la tristeza final es cuando la felicidad misma se convierte en inequidad: que para ganar algo para ti, la única solución es tomar de otro.-CB

6. “Psico” (Alfred Hitchcock, 1960)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Paramount / Kobal / REX / Shutterstock (5886156bs) Psycho (1960) Psycho - 1960 Director: Alfred Hitchcock Paramount USA Scene Still Psychose (1960)

“Psicópata”

Paramount / Kobal / REX / Shutterstock

“Psycho” es prácticamente el anno domini del cine: hay un antes y un después, en los que nada ha sido igual.Tal vez todo para la discusión colectiva de hoy sobre “¿qué es una película? ¿Y qué es la televisión? se remonta a “Psycho”, que Hitchcock filmó con el equipo de su programa de televisión “Alfred Hitchcock Presents”, el logotipo de Paramount al principio con las líneas granuladas de TV entrelazadas como una afectación en broma.¿A quién le importa el medio? Lo que importa es la visión, y Hitchcock demostró con “Psycho” lo imposible que sería para todos sus imitadores capturar su estilo.Para todos los sustos y conmociones, y esa escena de la ducha, es el humor que te queda en Psycho: el momento “oh, Dios mío” cuando Norman se asusta sutilmente cuando el auto de Marion Crane deja de hundirse brevemente en el pantano, la esposa del sheriff recuerda cómo eligió el vestido de entierro de la Sra. Bates (“azul bígaro”), el desafío de “ven a mí” para creer las tonterías pseudocientíficas que el psiquiatra lanza al final para tratar de “explicar” todo lo que sucedió, cuando está claro que ninguna explicación podría nunca es suficienteHay algunas cosas en la vida que son así, y “Psycho” es la sonrisa cinematográfica de Hitchcock ante nuestros inútiles intentos de darle sentido a lo sin sentido.-CB

5. “Halloween” (John Carpenter, 1978)

Uso editorial únicamente Crédito obligatorio: Foto de ITV / REX / Shutterstock (794253b) Película'Halloween' - 1978 - Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) mirando por encima de un sofá con un cuchillo en la mano derecha. ARCHIVO GTV

“Víspera de Todos los Santos”

ITV / REX / Shutterstock

Hubo muchas películas de terror antes del debut del icónico slasher de John Carpenter en 1978, pero “Halloween” encontró la fórmula perfecta para transformar la espeluznante fiesta en una inolvidable.Con un tema palpitante, la Chica Final perfecta en Laurie Strode de Jamie Lee Curtis, y un hombre del saco que parece que no puede morir, “Halloween” cambió el género para siempre.Después de asesinar inexplicablemente a su hermana mayor en Halloween cuando solo tenía seis años, Michael Myers pasó la mayor parte de su vida en un manicomio, pero en una fatídica noche de Halloween en 1978, regresa a su casa en Haddonfield por un alboroto asesino que aterroriza a Laurie y sus amigos. .Con su rostro desfigurado escondido detrás de una máscara blanca macabra, Myers acecha y apuñala a través de la película, impermeable a las balas y los golpes.Aunque Carpenter técnicamente lo mataría en la década de 1980 en “Halloween II”, Myers demostró ser tan popular que resucitó una vez más en 1988 para generar una franquicia entera aún querida por los fanáticos del horror.-JR

4. “El exorcista” (William Friedkin, 1973)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Warner Bros / Hoya Prods./Kobal/REX/Shutterstock (5885474af) Max Von Sydow, Linda Blair The Exorcist - 1973 Director: William Friedkin Warner Bros / Hoya Productions USA Scene Still Horror L' Exorcista

“El exorcista”

Warner Bros / Hoya Prods./Kobal/REX/Shutterstock

Casi medio siglo después de su lanzamiento, “The Exorcist” sigue siendo una de las películas más aterradoras jamás hechas por una razón: hay una incomodidad primordial por el contraste entre una joven inocente y el demonio que posee su alma.La actuación seminal de Linda Blair como Regan, de 12 años, cuya cabeza da vueltas y vomita vómitos mientras desata risas inquietantes y vulgaridades sin filtro, encarna la idea de que nada es sagrado.Incluso las perspectivas de Max von Sydow, que lleva la Biblia, no garantiza que todo resulte color de rosa para la pobre Regan y su familia.Friedkin, que no era exclusivo del género de terror, se acerca a la novela de William Peter Blatty con la misma sofisticación que aportó a innumerables otros géneros en el apogeo de su carrera.“The Exorcist”, una de las películas más rentables de la historia, dio a luz varias secuelas y una serie de televisión, pero ninguna de ellas ha igualado la claridad con la que el original desentraña la mitología de la clase media alta de Estados Unidos. momentos profundos e inquietantes tan creíbles que incluso Friedkin salió de la experiencia como un verdadero creyente.Décadas más tarde, su documental de exorcismo “El diablo y el padre Amorth”, sobre la inspiración para el personaje de la película, demostró cuánto este logro seminal sigue persiguiendo a su creador, y también a generaciones de cinéfilos.-EK

3. “El bebé de Rosemary” (Roman Polanski, 1968)

Solo para uso editorial. Sin uso de la portada del libro. Crédito obligatorio: Foto de Moviestore / REX / Shutterstock (1613299a) Rosemary's Baby, Mia Farrow Film and Television

“El bebé de Rosemary”

Moviestore / REX / Shutterstock

Inquietante desde el momento en que Mia Farrow comienza a cantar sobre esos inquietantes créditos iniciales , la obra maestra de Roman Polanski te clava las garras y deja una marca tan horrible como la de Rosemary.El mal no es una entidad incognoscible en esta historia aún oportuna de una mujer iluminada por su esposo y vecinos;Es el Satanista de al lado. El embarazo es lo suficientemente estresante cuando no hay un grupo de brujas cantando en la noche, y las sospechas de la pobre Rosemary hacen doblemente angustiante que hayan hecho un pacto con Lucifer que involucra a su hijo por nacer.Tan cerebral en su enfoque del horror psicológico que merece un doctorado, “Rosemary’s Baby” solo se ha vuelto más incómoda con el tiempo, y no solo porque sabemos más sobre Polanski ahora que hace 50 años.-MINNESOTA

2. “La masacre de la motosierra de Texas” (Tobe Hooper, 1974)

blank

“La masacre de la motosierra de Tejas”

tapa de la pantalla

La década de 1970 cambió el género de terror para siempre, y “The Texas Chain Saw Massacre” de Tobe Hooper fue el catalizador.Un grupo de amigos se topa con una casa literal de horrores en Texas, llena de una familia trastornada de caníbales dirigida por uno de los villanos más terroríficos del terror, Leatherface, vestido con una máscara cosida de piel humana.Al escapar de las garras de la cadena Leatherface que maneja una sierra, Sally se convirtió en la primera Chica Final del horror, una sobreviviente que emerge de una crisálida de terror para convertirse en un ángel de venganza empapado de sangre.Aunque Final Girls ha experimentado varias transformaciones poderosas a lo largo de los años, el tropo sigue siendo uno de los mayores logros feministas del horror.Al igual que Éowyn de JRR Tolkein, quien declara desafiante “No soy hombre” antes de matar al aparentemente indestructible Lord of the Nazgûl, Final Girls ha destruido a algunos de los hombres del saco más grandes del horror, gracias al camino pavimentado por Hooper’s Sally.-JR

1. “The Shining” (Stanley Kubrick, 1980)

“El resplandor”

Moviestore / REX / Shutterstock

La culpa no está en los fantasmas que nos persiguen sino en nosotros mismos. ¿No habría terminado Jack Torrance (Jack Nicholson) siguiendo su camino psicótico en “The Shining” sin importar qué?Cuando lo conocimos por primera vez, ya había estado involucrado en un incidente de abuso doméstico con su hijo.Nicholson ciertamente interpreta a Jack como si estuviera demente desde casi el principio – escalofríos: “¿Ves?Esta bien. Lo vio en la televisión. “The Shining” tiene una cierta lógica de sueño, muy parecida a la de “Eyes Wide Shut” de Kubrick diecinueve años después: sugiere que todo lo que temes pero descartas puede ser cierto.Ese temor en la boca del estómago no es mentira. Si su instinto le dice que su esposo puede intentar matarlo a usted y a su hijo, probablemente haya una muy buena razón para ese instinto.La negación es necesaria muchas veces solo para superar la vida, para sobrevivir cada día, pero las películas de terror siempre muestran invariablemente que la negación también es lo que puede matarte.Ciertamente casi mata a Wendy y Danny en “The Shining”, pero se despiertan y cambian y ven la realidad de su situación sin tener más excusas, y así viven.Muchos de nosotros no lo hacemos, marchando a ciegas por la vida tan rígidamente que bien podríamos estar congelados en la nieve, condenados a seguir repitiendo nuestros errores una y otra vez como si siempre hubiéramos sido los cuidadores después de todo.-CB

Con informaciónn total de : https://www.indiewire.com/feature/best-horror-movies-all-time-scary-films-1202012183/1/

Hey! Mira esto tambien..

25 Misterios Sin Resolver Que El Mundo Ha Olvidado

A todos nos encantan los misterios, no es cierto? Pero lo que nos deja mas …

50 Curiosidades Del Doctor Who (Dr. Who)

1. Los Daleks originales:   Los Daleks originales eran controlados desde adentro por operadores cortos que tenían …

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *